Brasília pode te proporcionar algumas experiências interessantes. Tipo ir no show de uma banda gringa que tem quase 800.000 likes no Facebook, mas parecer que você está no show daquela banda do underground nacional, que ainda tem poucos, mas fervorosos, fãs. Isso praticamente resume o show do The Maine em Brasília.
Na última sexta-feira (21), os estadunidenses fizeram o pequeno palco do Arena Futebol Clube ficar gigante. Em turnê com o novo disco, Lovely Little Lonely, a banda voltou ao Brasil pela quinta vez, apesar dessa apresentação ter sido a estreia do quinteto em Brasília. O show, com clima intimista, virou praticamente um culto, tamanha a dedicação dos fãs em cantar (muito) alto todos os versos de todas as músicas.
Os integrantes do The Maine não foram os primeiros a subir no palco, pois a abertura ficou por conta de Michael Band. Michael, que estava acompanhado apenas de seu violão, fez uma apresentação encantadora. O folk muito bem tocado conquistou os ouvidos da plateia, que, apesar da ansiedade para a apresentação principal, recebeu muito bem o músico e até fez alguns pedidos de música. O cantor, que se declarou fã do grupo do Arizona, foi escolhido pela própria banda para abrir os shows de São Paulo, Brasília e Rio de Janeiro.
Michael Band | Por Tayane Sampaio
Logo depois do show de Michael e dos devidos ajustes no palco, foi a vez do The Maine aparecer, minutos depois dos fãs puxarem um coro apaixonado de “Into Your Arms”. John O’Callaghan, o vocalista do grupo, começou o show pedindo pra galera guardar os celulares e curtir um show de rock como as pessoas faziam antes dos smartphones. A banda já abriu o show com muita energia, ao som de “Black Butterflies & Dèjà Vu”, faixa do novo álbum, que os fãs cantaram a plenos pulmões. Em seguida, eles tocaram “Am I Pretty?”, que fez as poucas pessoas que estavam mais contidas também tirarem o pé do chão.
The Maine | Por Tayane Sampaio
Não é só John que tem uma presença de palco impecável, a sinergia dos músicos é fantástica. Garrett Nickelsen (baixo), Kennedy Brock (guitarra), Jared Monaco (guitarra) e Pat Kirch (bateria) não param um segundo e também não deixam o público ficar parado. John disse que queria ver todo mundo suando e realmente conseguiu. Logo no começo do show, em “Like We Did (Windows Down)”, ele subiu na grade e dividiu o microfone com o público. Os fãs retribuíram o carinho e a entrega da banda com balões brancos, durante a balada “(Un)Lost”.
The Maine | Por Tayane Sampaio
Durante toda a apresentação, houve uma troca de energia muito boa entre público e banda. Kennedy e Garrett eram só sorrisos. A animação estava tão grande que o quinteto deixou a triste “Raining in Paris” fora do setlist e tocou “Taxi”, música que nunca tinha sido tocada ao vivo e era uma das mais pedidas pelos fãs brasileiros, desde que a tour começou.
Um dos pontos altos da apresentação foi “Girls Do What They Want”, um clássico do grupo. Nessa hora, o vocalista já tinha se desfeito da jaqueta e da camiseta e foi assim que ele foi parar no meio da galera, rodeado pelos fãs que gritavam a letra da música e pulavam sem parar. John voltou ao palco com dois ajudantes, Tatyana e Fillipe, pra terminar de cantar a música no palco.
O show reuniu canções de vários momentos da banda, de discos mais recentes até os mais antigos. O pedido de “zero phones” de O’Callaghan foi ignorado, mas, ainda assim, foi um momento muito bonito de conexão entre artista e fã. Depois de pouco mais de uma hora de total catarse, a despedida foi ao som de “Another Night on Mars”.
O show é um dos que vale muito a pena ver ao vivo. Sem dúvidas, foi uma noite memorável. Os caras amam o Brasil e, provavelmente, vão voltar em breve. Então, se você ainda não foi a um show do The Maine, não perde a próxima chance!
Domingo, 23 de julho de 2017. Tempo relativamente agradável como vem sendo nos últimos dias na capital gaúcha.
Já era passado das 20h quando o Noahs adentrou ao palco. Primeira vez em Porto Alegre, num dos teatros mais conhecidos da cidade: o Teatro Renascença.
Quarteto formado pelos goianos Murilo Brito(vocal) e Danilo Brito(baixo), pelo mineiro Bruno Bastos(guitarra) e por Felipe Hipólito(bateria), de Florianópolis. A banda tem dois EPS: o primeiro Cedar & Fire com cinco musicais autorais, todas em inglês e lançado em 2014. E Rise, lançado em Fevereiro deste ano.
Ep Rise
Posicionados no palco, o show já começa com belos arranjos na introdução, as luzes dão um contraste do espetáculo que iria surgir a seguir. As músicas alternam entre os dois Ep’s. Começamos por Colours, primeira faixa do segundo Ep. Fãs sentados, apesar de grande parte querer ficar lá na frente e dançar ao ritmo da música que é contagiante. Passamos então por Take Me Higher, Love Will Save Us, The River, Carry On. E no intervalo de cada música a banda interage com a platéia mesmo ela sendo ainda um pouco tímida. Logo depois tivemos Suddenly, música que foi composta ao estilo “Frankenstein”, de acordo com o vocalista. Foi a última música a entrar no Rise. Talvez a parte mais emocionante do show pra muitos tenha sido a bela canção Home Again. A partir dali o público marcava mais sua presença. Em Bridges, a iluminação que nunca deixou a desejar dava um ar mais forte a música, principalmente no seu final. Logo após fomos embalados pela famosa Talk To Me, aliás música que já ultrapassa 271.00 ouvintes no Spotify, e ao som da platéia que cantava tímida o refrão. E o fim chegou ao som de Catching Stars, com o público de pé em frente ao palco e acompanhando nas palmas.
No meio de tudo isso a banda também resolve agraciar o público gaúcho com uma nova canção, porém ainda sem nome.
Há muitas bandas Indie/Folk por esse mundo, mas Noahs veio pra mostrar que não é necessário sair do país pra se ter um belo espetáculo de sonoridade, voz e simpatia. A conexão dos integrantes no palco é algo de se admirar. Qualquer um que não conheça facilmente confundiria com uma banda internacional. A banda tem alguns projetos, entre eles lançamento de produtos que ainda não são comercializados, dentre eles os belos pôsteres criados.
Um show pra se aproveitar do início ao fim, prestando atenção em cada detalhe. Nunca uma noite de domingo foi tão agradável como essa.
Entre os dias 08 e 14 de maio desse ano, aconteceu a 19ª edição do Festival Bananada, em Goiânia. Com um dos melhores line-ups do ano, o festival era o lugar que qualquer fã de música independente queria estar.
Durante os três primeiros dias, os shows aconteceram nos bares, pubs, teatros e casas de show da capital goiana; na quinta-feira, aconteceu um “evento teste” no local que abriga os shows no final de semana, o espaçoso e aconchegante Centro Cultural Oscar Niemayer, que recebe o público até no domingo.
Este ano, foram montados quatro palcos: o Palco Spotify, com curadoria da Casa do Mancha; de frente pro Spotify estava o Palco SLAP, uma parceria com o selo da Som Livre, que, mais para o fim da noite, virava a tenda de música eletrônica El Club; o Palco Skol, um dos principais, que acomodou alguns dos shows com maior público; e o palco principal, Chilli Beans, que ficava logo na entrada do CCON.
Na sexta-feira, o RIFF desembarcou em terras goianas para acompanhar os três últimos dias do furacão Bananada. Os correspondentes Gabriel e Tayane, que já contaram tudo sobre o Festival, nesse vídeo aqui, agora contam como foram os shows mais interessantes que viram por lá.
GABRIEL OLIVEIRA
SEXTA – No Palco SLAP, a Plutão Já Foi Planeta foi a última atração da noite. O show contou com uma legião de fãs, que cantava todas as músicas. O grupo tocou faixas de seus dois álbuns, Daqui Pra Lá e o novo A Última Palavra Fecha a Porta. A banda fez um show enorme para um palco pequeno, o público estava interagindo e isso fez com que eles se soltassem cada vez mais.
Uma das cantoras mais esperadas do dia, sem dúvidas, era a Céu. Com público fiel, desde o lançamento do aclamado Tropix, a cantora encerrou as atividades do Palco Skol. Céu não deixou a desejar e embalou seus maiores sucessos, que foram cantados pela maioria do público que ocupava a grade.
Céu | Por Gabriel Oliveira
O último show da noite foi o do Jaloo, que se apresentou no Palco El Club. O paraense conquistou o público com a apresentação, cantando os sucessos do seu álbum de estreia, #1. Apesar de já estar bem tarde, o público pareceu não se importar com a hora e apenas aproveitou o festival. “Chuva” foi um dos momentos mais marcantes da apresentação, pois todo o público cantou e dançou junto com o cantor, que se jogou na plateia, literalmente. Divertido, Jaloo interagiu, conversou e até mandou uns memes para o público.
SÁBADO – No sábado, Consuelo, banda da capital brasileira, deu início aos trabalhos no Palco SLAP. Era perceptível que a vocalista Cláudia Daibert estava bem contente. A cantora vestiu um figurino bacana, brincou com os sintetizadores e se mostrou disposta a conversar com o público. A plateia se aglomerou para assistir a performance da banda, que é composta por Vavá Afiouni (Passo Largo), o violão de João Ferreira (Natiruts), a guitarra de Marcus Moraes (Passo Largo), os sopros de Esdras Nogueira (Móveis Coloniais de Acaju) e a bateria de Thiago Cunha (Passo Largo).
O segundo show do SLAP foi o da goiana Bruna Mendez, que cantou e encantou. Na segunda-feira (08), a artista fez uma apresentação mais intimista no Sesc Centro, já pro Festival Bananada. A apresentação, leve e harmoniosa, contou com uma galera ajudando Bruna a cantar as músicas. A cantora parecia um pouco tímida e as poucas interações com o público foram bem rápidas, já emendando na próxima música. Com um dos melhores shows do festival, Mendez deixou transparecer seu amor pela música por meio de sua performance.
O show dos goianos da Carne Doce foi um dos mais esperados. João Victor Santana (guitarra e sintetizador), Ricardo Machado (bateria), Anderson Maia (baixo), Macloys Aquino (guitarra) e Salma Jô (voz e sintetizador) se apresentaram no Palco Skol, que estava totalmente lotado, com pessoas ansiosas pela explosão trazida pela banda. Logo nos primeiros segundos do show, se escutava o som da guitarra de Macloys, a bateria de Ricardo, o baixo de Anderson e os gritos do público, ensandecido. Salma entrou totalmente performática, com um sorriso no rosto, e cantou “Princesa”, faixa título do segundo álbum do grupo. Sem perder o ritmo, a apresentação foi forte, representativa e não teve sequer um momento de silêncio total; Salma conversou com o público e falou sobre a felicidade de estar tocando em casa.
Carne Doce | Por Tayane Sampaio
DOMINGO – Teto Preto se apresentou no palco Skol, um show que talvez não esperasse tomar tamanha proporção pela vocalista Angela Carneosso e o seu grupo, que conta com L_cio (bateria), Zopelar (sintetizador), Bica (percussão e trombone). Com uma performance livre, Carneosso se apresentou nua, dançando, rebolando e, além de tudo, amando a vibração do público, que acompanhou boquiaberto todo o show. Com uma mistura de bossa nova e uma pegada totalmente eletrônica, provavelmente o som foi uma grande surpresa para quem não conhecia. Laura representou mostrou muito bem o poder de sua música e de seu corpo.
Um numeroso público, posicionado no Palco Chili Beans, aguardava o show da Tulipa Ruiz. Vencedora de um Grammy Latino, com o álbum Dancê, a cantora apresentou músicas do seu último álbum, que é extremamente empoderador. Com uma potência vocal sem igual, Tulipa consegue cativar o público com seu timbre e carisma, sendo conhecida pelo seu bom humor. O show ainda teve a participação de Lineker, que subiu ao palco para cantar ‘’Só Sei Dançar Com Você’’, que foi um momento bonito e marcante da apresentação. Encantadora, Tulipa encerrou o show agradecendo o carinho e o amor que os seus fãs ali presentes passavam.
Tulipa Ruiz | Por Tayane Sampaio
E para encerrar as atividades do Palco Skol, o Bananada contou com ninguém mais, ninguém menos que Karol Conka, artista que exala empoderamento feminino em suas músicas. Conka, que apresenta o tão aclamado Batuk Freak, cantou os seus hits como ‘’Do Gueto ao Luxo’’ e ‘‘Gandaia’’, e suas parcerias com o DJ Boss In Drama, como ‘‘Toda Doida’’ e ‘‘Farofei’’. Com um palco vasto, Karol, acompanhada do DJ Hadji, mostrou sua sensacional presença de palco e total domínio do público.
TAYANE SAMPAIO
SEXTA – Na sexta-feira, o primeiro grande show da noite foi o dos cariocas da Ventre, no Palco Chilli Beans. Quem não os conhece, pode achar que o alvoroço ao redor do nome da banda é só hype, mas basta assistir a um show do grupo pra entender o motivo de tanto entusiasmo dos fãs. Larissa Conforto (bateria), Hugo Noguchi (baixo) e Gabriel Ventura (guitarra e voz) têm apenas um álbum lançado, mas entre as poucas faixas de seu repertório, a banda consegue transitar entre momentos leves, quase meditativos, a uma explosão de sentimentos e sons. Larissa, que ocupa o centro do palco com sua bateria, usa muito bem sua força e sua voz para fazer um discurso que pede respeito às mulheres e as chama para fazer música.
Ventre | Por Tayane Sampaio
Os paulistas do E a Terra Nunca Me Pareceu Tão Distante fizeram a melhor apresentação do dia no Palco Spotify. Mesmo com problemas técnicos, o show da banda foi uma imersão em um turbilhão sensações. A mudança entre momentos de introspecção e de total catarse são muito bem trabalhados nas músicas e, principalmente, nas performances de Rafael Jonke (bateria), Luden Viana (guitarra), Luccas Villela (baixo) e Lucas Theodoro (guitarra e sintetizadores). Além de dividir o nome, Villela e Theodoro dividem muito bem o palco, que fica pequeno pra tanta energia da dupla.
O último grande show da noite foi o do BaianaSystem, no Palco Chilli Beans, e não poderia ser diferente. Com um dos melhores shows da atualidade, o grupo fez o público dançar durante toda a apresentação. As mil e uma sonoridades trazidas pelo som da guitarra baiana de Beto Barreto, o baixo de SekoBass, a guitarra de Juninho Costa, a percussão de Japa System e as bases eletrônicas de João Meirelles e Mahal Pitta casam com perfeição com a voz e disposição de Russo Passapusso. Toda a identidade audiovisual do grupo, assinada por Felipe Cartaxo, torna a experiência ainda mais incrível. Poucas bandas de rock conseguem ter um som tão pesado quanto o samba-reggae do BaianaSystem.
SÁBADO – No sábado, o público chegou mais cedo no Centro Cultural Oscar Niemayer. Quem estava na primeira apresentação do Palco Spotify não deve ter se arrependido, pois quem deu início à programação foi o JP Cardoso. Com um dos shows mais divertidos do Festival, JP cumpre o que promete no título do seu álbum e embarca o público em uma leve e gostosa viagem pelas ondas sonoras das canções do Submarine Dreams, seu álbum de estreia. Sabe aquela viagem à praia com os amigos, com direito a várias lembranças boas e pores do sol de tirar o fôlego? Esse foi o show do JP. Mesmo sendo noite, o mineirinho conseguiu ensolarar o palco.
Ainda no Palco Spotify, Luiza Lian fez uma das apresentações mais especiais de todo o Festival Bananada. A paulistana levou a experiência audiovisual de seu disco Oyá Tempo ao CCON, acompanhada pelas batidas de Charlie Tixier. Luiza, que teve um dos maiores públicos daquele palco, criou um ambiente totalmente imerso no conceito de seu álbum, pois, além das músicas e das projeções, a artista levou ao público uma bonita cenografia e figurino. Com suas canções que remetem do jazz ao candomblé, Lian consegue inserir o ouvinte em sua narrativa e instigá-lo a conhecer melhor a divindade-musa inspiradora de suas músicas.
Luiza Lian | Por Tayane Sampaio
Maria Gadú também presentou o público com uma apresentação emocionante. Quem só conhece a artista pela estourada “Shimbalaiê” ficou de queixo caído com a evolução de Gadú, que tem o palco e o público na palma da mão. A blusa divertida da cantora e guitarrista, com estampa de bananas, destoou da atmosfera densa e visceral criada pelas músicas do ótimo Guelã, último álbum da artista, e músicas de seus trabalhos anteriores. Acompanhada por Federico Puppi (violoncelo), Lancaster Pinto (baixo) e Felipe Roseno (bateria), Gadú parecia estar rasgando o próprio coração no palco, tamanha a entrega da artista, que fez um show comovente.
DOMINGO – No domingo, no Palco Spotify, o começo do fim não poderia ter sido mais bonito. Os mineiros da El Toro Fuerte fizeram a trilha sonora para o por do sol que acontecia atrás do palco. Diego Arcanjo (baixo, guitarra, voz), Gabriel Martins (bateria), João Carvalho (voz, guitarra, baixo) e Fábio de Carvalho (guitarra, voz) fizeram uma apresentação intensa, assim como o álbum de estreia da banda, chamado Um Tempo Lindo Pra Estar Vivo. A apresentação foi tão intensa que teve gente na plateia que não segurou o choro, mas em pouco tempo as lágrimas deram lugar pra sorrisos e abraços. Nem mesmo uma corda de guitarra estourada tirou o clima do show, que tinha um público muito interessado e um quarteto em ótima sintonia.
El Toro Fuerte | Por Tayane Sampaio
Boa parte do público do Palco Spotify saiu correndo pro Palco Skol, que já estava nos ajustes finais para receber o Rakta. A iluminação exclusivamente vermelha, com muita fumaça, quase sufocante, acompanhou muito bem o post punk extremamente bem executado pelo trio. A experimentação de Carla Boregas (baixo e voz), Paula Rebellato (teclado e voz) e Nathalia Viccari (bateria) mostra que nem só de guitarra vive o rock e cria uma atmosfera única, que casa muito bem com os “inferninhos” do underground. Talvez, se a banda tivesse tocado em um palco menor, a experiência de ver o trio seria ainda mais libertadora.
No palco Chilli Beans, aconteceu um dos encontros mais legais do rock goiano. Hellbenders e Black Drawing Chalks se enfrentaram numa espécie de competição em que o público saiu ganhando. As bandas tocaram músicas de seus repertórios e rolou até uma versão de “Mexicola”, do Queens of the Stone Age. As bandas foram acompanhadas pelo público, que encheu o Palco, tanto na voz quanto no bate-cabeça, além das recorrentes rodas punk. Não dava muito tempo de respirar, pois, quando Diogo Fleury (voz/Hellbenders) terminava uma música, Edimar Filho (voz/BDC) já emendava outra. O público saiu do palco com um sorriso no rosto e suor escorrendo pela testa.
Veja as fotos que tiramos dos shows que assistimos aqui.
Mesmo sendo um planeta gelado, Plutão, que voltou a ser planeta, conseguiu esquentar a noite fria da capital mineira nessa última quinta-feira (22). A banda natalense se apresentou na A Autêntica, casa de shows na Savassi.
Nota: A abertura do show ficou por conta da banda Evil Matchers. Mesmo destoando totalmente do estilo da Plutão, apresentando um punk rock, os caras conseguiram ter uma boa interação com público. Apresentando um som autoral, os músicos se mostraram individualmente bons, porém faltou sincronia ao conjunto.
A Plutão Já Foi Planeta se apresentou por quase uma hora e meia, apresentando todas as músicas do “A Última Palavra Feche a Porta”, além de mais algumas do primeiro álbum. Já de abertura apresentaram o primeiro single do CD, “O Ficar e o Ir da Gente” e mostraram um grande entusiasmo.
O público (que não lotou a casa) correspondeu a banda em boa parte do show. Cantou todas as músicas, batia palma, metrificava e gritava ‘Fora Temer’ junto com o quinteto. Destaque na música “Viagem Perdida” que fizeram um final estendido com a participação de todos.
Destaque também para o Gustavo e Sapulha nos vocais, não só apoiando a Natália, mas em várias canções. Sapulha também abusando do ukelele em várias músicas, deixava o show extremamente agradável. Esse ponto é muito bom. Todos da banda são versáteis. Tocam vários instrumentos, participam nos vocais e interagem com o público. Hora a Vitória estava no baixo e a Natália no sintetizador, depois invertiam com a maior naturalidade. Também é importante mencionar o Renato. Entrou para a banda há pouquíssimo tempo (quinto show) e já mostra uma naturalidade para puxar as músicas e fazer vários solos na bateria.
Nas músicas, “Insone”, a melhor música do último CD, cantada ao vivo, fica tão melódica quanto na versão de estúdio. “Você Não É Mais Planeta” fez toda a plateia pular bastante. E finalizar com “Alto Mar”, faixa um do disco, foi para acabar de vez com a garganta de todos os presentes.
Em resumo, A Plutão Já Foi Planeta provou que realmente é uma banda pronta para o sucesso. Segura, carismática e talentosa.
Após dois anos de sua última vinda ao Brasil, com a X Tour, o cantor britânico Ed Sheeran voltou com tudo! Na última quinta-feira, 25 de Maio, o ruivinho subiu no palco da Jeunesse Arena, e levou os fãs (e até os não tão fãs: o/) à cantarem e pularem por quase duas horas.
Com o lançamento de seu terceiro álbum, “÷ (Divide)”, em março deste ano, o cantor e compositor de apenas 26 anos, trouxe em sua nova turnê, além dos novos hits, sucessos de seus outros dois álbuns: “X (Multiply)”, lançado em 2014, e “+ (Plus)”, seu álbum de estreia (2011).
Um fundo todo preto, um pedestal e um microfone.
Pensei: “será que é só isso?”
Assim que Ed Sheeran subiu ao palco, já foi logo tocando (e gravando) os acordes de “Castle On The Hill”, primeiro single lançado do “÷”. Sucesso! Durante 60 segundos, enquanto ele fazia o papel de toda uma banda, as fãs gritavam, empolgadas.
Entre uma música e outra, algumas ~tímidas~ interações com o público, mas suficientes para tirar o fôlego das adolescentes (que eram a maioria).
Falando em tirar o fôlego, um dos pontos altos do show foi quando Sheeran tocou uma versão de “Bloodstream” (sim, eu fiz o dever de casa e ouvi o setlist até decorar tudo =p), e mostrou todo seu talento e autossuficiência. O cara fica sozinho num palco, só ele, um microfone e alguns violões, e não deixa nada a desejar!
Outro ponto alto foram os mega telões, com projeções incríveis, que os fizeram sair do óbvio, e realmente deram toda a diferença no clima do show.
E, pra quem como eu, checou o setlist e achava que não teria nenhuma surpresinha na noite, também se enganou. No meio do show, Sheeran puxou a clássica “Feeling Good”, da Nina Simone (que, pra minha surpresa, nem só os mais velhos cantaram junto), seguida da linda “I See Fire”, que faz parte da trilha sonora do filme “O Hobbit”. Mais pontos pro ruivinho!
Após cantar sucessos como “Give Me Love”, “Photograph”, “Thinking Out Loud” e “Sing”, Ed Sheeran voltou pro bis, vestindo uma camisa do Brasil e, claro, deixando os fãs ainda mais eufóricos pra cantar a tão esperada “Shape Of You”.
A fã Juliana Oliveto, que estava na plateia, sentiu o mesmo que eu: “Com voz, muitos violões e um apoio de recursos de áudio, ele conseguiu levantar e encantar a plateia de forma que ter ou não uma banda não fez diferença. O telão foi um show à parte e ajudou a tornar a atmosfera do show ainda mais especial. Foi uma noite inesquecível, e vi gente de todas as idades saindo encantada e sem voz.”
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Saí do show com uma certeza: Ed Sheeran conquistou novos fãs, um espacinho maior na minha playlist, e no coração dos pais e mães que caíram lá de pára-quedas, mas cantaram e dançaram ~quase~ mais que os filhos! ;D
O palco do Imperator é famoso por receber grandes shows e ser responsável por proporcionar noites especiais para o público, e dessa vez não seria diferente. A dobradinha brasiliense Scalene e Alarmes fez uma mini tour conjunta e, na última quinta-feira, dia 18 de maio, foi a vez do Rio de Janeiro receber essas duas bandas com euforia e energia, já conhecidas, do público fiel.
Dos palcos gringos direto para a cidade maravilhosa, Arthur Brenner, Gabriel Pasqua e Lucas Reis fizeram o primeiro show depois de uma série de apresentações pela Europa. O trio passou por cidades de Portugal e Espanha e voltaram ainda mais entusiasmados para conquistar o público. O show contou com músicas do CD ‘Em Branco’, primeiro da banda, e que comemora um ano de lançamento.
Alarmes @2017
Ao contrário do que se costuma observar, a casa já estava cheia logo nas primeiras músicas e a galera acompanhava o trio com muita empolgação. Além dos movimentos de headbang, o rebolado também marcou presença, como na performance coreografada de ‘Mas não sei’. ‘Incerteza de um encontro qualquer’, ‘Não quero mais’ e ‘Tempo bom’ também marcaram presença no setlist. O palco que podia parecer grande, ficou pequeno para a Alarmes.
Alarmes e Scalene @2017
Encerrando a turnê do DVD ao vivo, a banda Scalene parecia estar em casa no palco do Imperator. Para um show em dia de semana na zona norte carioca, o público compareceu em peso e encheu a casa. Os fãs do quarteto já são conhecidos pela energia e interação durante as músicas, e familiarizados com o setlist, a galera não parou desde a introdução ‘XXIII’ até o encerramento, com ‘Legado’. Mas se enganam os que acham que isso leva o show a uma mesmice. Toda apresentação da Scalene é uma nova (e boa) surpresa.
A grande novidade da noite ficou por conta dos brinquedinhos tecnológicos usados pelo baixista Lukão, que incrementaram e deram um toque especial às faixas. Além das clássicas rodinhas nas músicas mais agitadas, o carinho entre os amigos que a banda proporcionou ficou claro ao ver tantas pessoas abraçadas durante ‘Amanheceu’. Perto das finalizações e lançamento de um novo CD, Scalene vem mostrando, para quem ainda tinha dúvidas, o por que são merecedores de um Grammy.
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O público apaixonado deixou o Imperator, mais uma vez, com a alma lavada e aquela saudade instantânea. A princípio, o próximo encontro da Scalene com a cidade maravilhosa acontece no Rock In Rio, no dia 21 de setembro. Mas a verdade é que, juntos ou separados, o retorno das duas bandas é garantia de uma noite animada, aguardada e de muito som.
Slowdive e a realização de um sonho que achei que nunca ia concretizar
Num domingo pós Maximus Festival e Bananada, rolou em São Paulo, no Cine Jóia, o Balaclava Fest.
Pra quem não conhece, a Balaclava Records é um selo/produtora independente e já trouxe pro Brasil, artistas como Swervedriver e Yuck.
Nessa edição, contou com Widowspeak, Clearance, E A Terra Nunca Me Pareceu Tão Distante e Slowdive. Agora que as informalidades passaram, vamos ao relato pessoal.
Acabei chegando tarde e entrei na casa quando o palco estava sendo preparado pro show dos paulistas do EATNMPTD. A casa onde rolou o festival tem um clima muito bom, com projeção no palco e isso ajuda muito a criar o clima perfeito pro som que estava por vir. A atmosfera e a entrega que esses caras tem é fantástica. Acho que todo mundo que estava ali ficou um pouco hipnotizado com tamanha técnica, entrega e sinceridade que uma banda pode trazer. Espero muito ver mais shows deles porque vale muito a pena. Se vocês não conhecem o EATNMPTD, cacem logo no Spotify já!
Ao acabar, entraram os britânicos do Slowdive. Eu gosto muito deles, mas assim, demais mesmo. Os conheci quando caí fundo no shoegaze porque queria ouvir músicas diferentes principalmente pra estudar de madrugada. Conheci a gênese do estilo que é o Loveless do My Bloody Valentine e logo em seguida, o aclamado Souvlaki. Esse álbum foi um fracasso de vendas e a crítica caiu muito em cima deles na época que saiu muito por conta do britpop que estava surgindo com tudo e o movimento grunge, que acabaram abafando toda a cena shoegaze que estava por vir. Particularmente, acho que o mundo não estava preparado pro shoegaze naquela época, mas isso é um assunto pra um vídeo!
O Slowdive quando subiu ao palco, eu só conseguia pensar que era muito surreal eu estar vendo eles ao vivo. A banda voltou 20 anos depois e era um daqueles artistas que eu pensava que só assistiria coisas pelo YouTube e mesmo assim, que nunca viriam ao Brasil.
O casamento entre as músicas novas do Slowdive (2017) com as antigas não podia ser melhor. O show começou com Slomo que vem pra dizer que voltaram com força. Continuou com Slowdive, Avalon e depois Catch the Breeze.
Após uma pequena pausa, veio o clássico Crazy for You e a primeira música que lançaram após 22 anos, Star Roving, que foi MUITO bem recepcionada pelos fãs. Em seguida, veio Souvlaki Space Station e minhas lágrimas. Na real, eu já estava chorando antes porque eu realmente estava muito emocionado, mas essa música em particular é uma das minhas favoritas da vida. Pra quem não sabe, eu sou guitarrista e me inspiro obviamente em vários artistas. O Slowdive influenciou muitos artistas que gosto também e essa música em particular, é uma aula de timbres e ambiência, com bastante uso de delays e reverbs com uma atmosfera incrível da voz da Rachel Goswell. Ouso dizer que muito do que nós ouvimos em bandas de post rock e shoegaze, vem de elementos dessa música e desse álbum também.
Depois veio mais outra sequencia emocionante com No Longer Making Time, Dagger (que foi tocada na guitarra ao invés do violão) e que deixou os músicos surpresos pois o público cantou em uníssono e Alison. Alison é outro clássico da banda e pra toda uma geração de shoegazers, é muito importante também. É a faixa de abertura do álbum Souvlaki (1993). Sugar for the Pill também foi outra do novo EP que foi muito bem recepcionada e na minha opinião é a melhor música dele, que conta com um clipe lindíssimo.
When the Sun Hits e Golden Hair fecharam o show com o público em chamas! Após uma pequena pausa, veio o bis com She Calls e 40 Days, pra deixar todo mundo com aquela vontade de vê-los novamente.
Apesar do texto enorme, eu ainda estou emocionado de ter visto o Slowdive ao vivo e não consigo me expressar tão bem quanto gostaria. Ver os seus artistas favoritos e que te inspiram e tem uma ligação emocional é algo surreal e que lava a alma. O Slowdive é uma banda que após 20 anos, colhem os frutos do que eu acho que foi uma das maiores injustiças da música nos anos 90. Anos depois, com o advento da internet, muita gente conheceu a cena shoegaze e sites como a Pitchfork acabaram aclamando toda uma geração “perdida” pra que um novo público percebesse o quão bom era a cena shoegaze e quão importante e ativa ela está hoje em dia.
Se você não conhece o Slowdive e gosta de alternativo com bastante ambiência, corre pra ouvir agora! Apesar de terem lançado o EP Slowdive agora, o álbum Souvlaki tá na listinha de “músicas que você deve conhecer algum dia”. Vai por mim, vocês não irão se arrepender.
Você que começou a ler esta resenha agora provavelmente se recorda de La La Land, filme de 2016 dirigido por Damien Chazelle e que chegou a ganhar o Oscar de melhor filme por um minuto ou dois. No filme, o personagem Seb, interpretado por Ryan Gosling, tem um sonho: salvar o jazz. Ele defende um argumento no filme de que as pessoas não vão mais ouvir jazz pelo jazz, e sim por tudo que está no seu entrono. As festas, as pessoas, a bebida, as drogas… O jazz é só uma trilha sonora para tudo isto, quando ele deveria ser a razão de um evento acontecer, o motivo que fez as pessoas quererem sair de casa. E que também ele está sendo “apropriado” pelo mercado da música e se tornando mais pop, fugindo totalmente de sua essência.
Mas o que La La Land e a história de Seb tem a ver com os shows de BadBadNotGood e Gabriel Royal, que rolaram no último sábado (06/05/2017) na Varanda do Vivo Rio, em mais uma iniciativa da Queremos? Muita coisa. A começar pelo público, que não parecia nem um pouco interessado no que estava no entorno e vidrou os olhos em ambas as apresentações. Até Gabriel Royal, pouco conhecido no Brasil e que fez uma apresentação solo e muito intimista ganhou atenção de grande parte da plateia. Carismático até a última nota e a última gota de bebida em seu copo, Royal fez um set curto, porém bastante sólido, para uma plateia que incluía ilustres como MC Marechal (pode perguntar pro Aori, que inclusive esteve presente e foi repórter do Queremos na ocasião). Um excelente cartão de visitas do cara que estreava em terras brasileiras naquela noite.
Gabriel Royal @2017
Depois, a catarse. Quem olha para Leland Whitty (saxofone e flauta transversal) Alex Sowinski (bateria), Matt Tavares (teclado) e Chester Hansen (baixo) sem saber do que os quatro são capazes com seus instrumentos e em conjunto, provavelmente vão acha-los antiquados, incapazes de entreter a pessoa de riso mais frouxo de um lugar. Talvez Alex consiga, pela exuberância de seu moicano platinado e o sorriso cativante. É justamente ele que assume as conversas com a plateia logo no início do show, chamando o público para fazer parte da apresentação com eles. Como se precisasse. Já nas primeiras notas, o BBNG ganhou o jogo, o público e a bela noite que fazia no Rio de Janeiro. Alex não se dava por satisfeito, e sempre pedia aplausos para seus companheiros de banda a cada passagem mais elaborada que cada um deles fazia. E era impressionante como, com o passar das músicas, o público, por conta própria, ia na palma, no pulo, no gritinho, acompanhando o ritmo da música. Sério, há tempos eu não via um público indo “na palminha” com tanta vontade e sem ninguém pedir. Quem chamava eram as próprias músicas, com partes que eram impossíveis de ficar parado ou de não bater palma. Mérito dos quatro músicos, de técnica e criatividade ABSURDAS. Há muito tempo eu não saía de um show tão satisfeito com o que foi apresentado artisticamente. Showzaço, empolgante e emocionante, pra entrar naquelas listas de melhores do ano em dezembro (alô Prêmio RIFF!).
O jazz, talvez, já está salvo. Mas não no lugar e da forma que costumamos o encontrar, nos bares com a ambiência do estilo e os rostos consagrados. E sim nas estações de metrô de Nova Iorque, com um jovem negro e seu cello. Ou com quatro rapazes brancos do sul do Canadá e a paixão deles pela cultura hip hop. Seb, com certeza, iria se emocionar se estivesse naquela noite, com aqueles artistas e aquele público. E poderia ficar tranquilo com seu legado, mesmo com um Oscar escapando das mãos.
Fechando abril com chave de ouro o Teatro Odisséia abriu as portas na noite do último domingo, 30/04, para a cena independente. A 3S Produções trouxe as bandas Selvagens à Procura de Lei com a Tour Praiero, Vivendo do Ócio em divulgação do LP “Selva Mundo”, Drops96 e Divisa. Foi uma noite movida a muita energia.
Quem chegou cedo, assistiu os cariocas da Divisa. O show foi embalado, principalmente, por canções do EP “(auto)retrato” lançado em agosto de 2016. Além das músicas autorais, a apresentação contou com covers de The Killers e Kings of Leon, o que animou ainda mais o público presente.
Drops96 @2017
A noite foi de despedida para os integrantes da Drops 96. Depois de 11 anos na estrada a banda encerrou as atividades ontem. Victor Toledo (baixo e voz), Nando Sampaio (teclado), Marcio Quartarone (guitarra), Bruno Lamas (bateria), Léo Ugatti (guitarra) e Fabio Valentte (voz) fizeram uma apresentação de lavar a alma, mesmo com o setlist curto para um show final. Uma das canções que quase ficou de fora, por conta do tempo apertado, foi Volta pra Mim, mas através de recados na tela do celular os fãs pediram a música e, como esse foi o primeiro sucesso da banda nada mais justo do que ela encerrar o ciclo.
Vivendo do Ócio @2017
Na sequência, os baianos da Vivendo do Ócio assumiram as rédeas da noite. Eles tiveram alguns problemas técnicos no início da apresentação, mas nada que comprometesse o desempenho da banda. Jajá Cardoso (voz e guitarra), Luca Bori (baixo e voz), Davide Bori (guitarra) e Dieguito Reis (bateria e voz) incendiaram o Teatro Odisséia.
Eles caminharam perfeitamente entre os discos “Selva Mundo” (2015), “O Pensamento É Um Imã” (2012), “Nem Sempre Tão Normal” (2009) e o EP “Som, Luzes e Terror” (2013). Os irmãos Bori foram um show à parte. Eles não ficavam parados, toda hora interagiam com a plateia.
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O último show da noite ficou por conta dos cearenses do Selvagens à Procura de Lei. Quando eles subiram no palco foi como se fosse a primeira vez do quarteto no Rio de Janeiro – pelo menos desse ano é. Gabriel Aragão (voz e guitarra), Rafael Martins (guitarra), Caio Evangelista (baixo) e Nicholas Magalhães (bateria) não deixaram ninguém ficar parado. Foram incontáveis as vezes que apareceram as famosas rodinhas punks na plateia. A energia foi tanta, que uma das fãs que estava próxima ao palco passou mal e precisou de atendimento. Por conta disso, os meninos deram uma rápida pausa e ao se certificarem que estava tudo bem, voltaram a tocar e terminaram o show deixando a certeza de que precisam voltar logo.
No primeiro final de semana de abril, Elza presentou Brasília com o seu espetáculo. Após duas sessões no sábado (01), A Mulher do Fim do Mundo voltou ao palco da Caixa Cultural Brasília, no domingo, e cantou para um público ansioso. A grande fila de espera para as possíveis desistências já mostrava o quão especial seria a apresentação que estava por vir.
Um pouco depois das 19h e dos três sinais que anunciam o começo da apresentação, a ficha técnica do espetáculo foi narrada, como de costume. Em seguida, as cortinas se abriram, revelando um palco cheio: Elza Soares, soberana, acompanhada de Guilherme Kastrup (bateria); Rodrigo Campos, (guitarra e cavaco), Rovilson Pascoal (guitarra e violão); Marcelo Cabral (baixo, synth e violão de 7 cordas); e Gustavo da Lua (percussão).
Imponente, na versão voz e emoção, assim como no álbum, Elza deu boas-vindas ao público com “Coração do Mar”, poema de Oswald de Andrade musicado por José Wisnik. A música de abertura dá a tônica de todo o show: cru, politizado, realista, brasileiro, de arrepiar da cabeça aos pés; apresentado por uma mulher, negra, de origem pobre, que sabe muito bem o que está cantando e falando.
Logo em seguida a banda dá o ar da graça, para a execução da faixa título do álbum. Os músicos, excelentes, abrilhantam ainda mais o desabafo de Elza, mas, o tempo todo, fica bem claro que sua voz é o principal instrumento do grupo, que transita com facilidade entre momentos de melancolia e euforia.
O show é, como um todo, emocionante, mas tem alguns momentos marcantes, cheios de significado, como em “A Carne”, “Maria da Vila Matilde” e “Pra Fuder”. Além de cantar as canções, que por si só já são fortes, Elza dá recados importantes sobre racismo, violência contra a mulher e sobre a liberdade sexual feminina.
Antes e depois da apresentação, conversei com várias pessoas, que circulavam perto da entrada do teatro. Eu queria conhecer o público, que era bem diverso, então fiz várias perguntas. É o seu primeiro show da Elza? Como está a expectativa? O que você achou do álbum “A Mulher do Fim do Mundo”? E por aí vai… Mas, teve um depoimento que me deixou emocionada.
Conversei com a Rosana Castro (29), antes e depois do show, e, no final, perguntei qual foi a música que mais a emocionou. A resposta foi “então, eu não esperava… na verdade não foi a música, porque eu já ouvi a música muitas vezes. Mas, ela repetia a palavra ‘negra’ e cada vez que ela falava a palavra ‘negra’ é como se ela fosse quebrando uma parte de mim, assim. Eu não tava esperando, eu não tava esperando mesmo. Foi essa parte da música (A Carne) que, eu não sei… aconteceu alguma coisa ali. Foi incrível!”
Rosana traduziu bem o sentimento. É isso! A voz de Elza entra na pele, cutuca as feridas e nos transforma. Você entra no teatro esperando só mais uma apresentação musical, mas sai de lá com um exemplo vivo de força, perseverança e empoderamento. Não é só um show, é uma experiência de vida.
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Quando o show termina, você consegue entender toda a cenografia de palco. Elza está apenas ocupando o lugar que lhe é de direito: o trono da música brasileira.
No primeiro domingo de abril eu fui todo feliz e cheio de amor no coração para o La Esquina, na Lapa, para assistir uma banda que só faz o meu amor pelo underground aumentar. Os lindões da Ponto Nulo No Céu. O evento produzido pelo cintilante Luciano Paz também contou com as bandas No Fearz, A Queda de Ícaro e A Marcha das Árvores.
O evento se deu início com uma playlist de músicas de bandas do underground brasileiro que deixaria qualquer um no clima. Logo em seguida, a No Fearz tomou conta do palco já iniciando o processo de tirar os primeiros pés dos chão. A banda conquistou o público com humildade e um new metal de qualidade. Assistirei-os mais vezes! Mais tarde o vocalista Andy Junior fez uma participação no show da Ponto Nulo No Céu.
O ambiente já estava bem agradável quando chegou a vez de A Queda de Ícaro. A banda voltou recentemente com uma nova formação depois de um bom tempo longe dos palcos. Já parecem estar bem entrosados e o público respondeu com vontade. O show foi pesado e alimentou todos que sentiam falta do post hardcore recheado de breakdowns. Um dos guitarristas chegou a passar pelo comum acidente de arrebentar o bordão diante da empolgação da banda e do público. Foi rapidamente resolvido e a animação não diminuiu na continuação do show.
Em seguida, ouvi o som da A Marcha das Árvores. Já havia algum tempo que eu não assistia ao show deles. Para a alegria dos mosheiros, a banda apresenta um ritmo muito favorável ao 2-step. Os refrões de vocal clean são acompanhadas com backing vocal, o que faz um contraste surpreendentemente agradável com o gutural. Com riffs que consegue-se perceber influências de vários gêneros diferentes, eles apresentaram um post hardcore e uma presença de palco que esquentaram o público. O show foi bem animado e fez todo mundo bangear e pular como se não houvesse um amanhã.
A antecipação de fãs ansiosos (como eu) parecia fazer a temperatura subir quando a Ponto Nulo No Céu assumiu. A banda tem dado continuidade a sua turnê do álbum ‘Pintando Quadros do Invisível’, que foi lançado quase 1 ano atrás. O show começou com a ‘Horizontal’, música que tem uma das letras mais poderosas que já ouvi. De imediato o público respondeu com energia, vontade nas cordas vocais, e é claro, o amor. Os shows da Ponto Nulo sempre são muito confusos pra mim. Eu não sei se mosho, se pulo ou se canto. Eu acabo tentando fazer tudo ao mesmo tempo gastando qualquer energia que sobrava (e um pouco mais).
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Depois de muita intensidade, o show chegou ao fim com sucessos do EP ‘Ciclo Interminável’. Eu conseguia sentir uma mistura de satisfação com insatisfação. As letras tornam a alma ambiciosa e sedenta por um show que eles toquem todas as músicas que já fizeram duas vezes. Mas, mesmo que insatisfeita, ela saiu lavada.
Ficamos devendo um material em vídeo com a banda dessa vez. Mas aguardem que isso com certeza virá!
Abril começou muito bem para quem acompanha a cena musical da Cidade. Sábado (01), aconteceu a sexta edição do Brasília Sessions, evento que tem tudo para se tornar uma das datas mais esperadas pelos brasilienses fãs de música. Dessa vez, quem compareceu ao Teatro Plínio Marcos, no Complexo Cultural FUNARTE, assistiu às apresentações das bandas Ellefante, Marrakitá, Cachimbó, Renato Gurgel e Phill Veras.
Mesmo sendo a edição com o maior público, que lotou o teatro, o evento não perdeu sua essência e o ar intimista. O formato com três apresentações no palco principal e dois pocket shows, que acontecem enquanto o palco central é arrumado para a próxima apresentação, foi mantido. Essa dinâmica funciona muito bem, pois o tempo de espera entre uma apresentação e outra é bem curto.
A Ellefante, formada por Fernando Vaz (voz e guitarra), Adriano Pasqua (baixo) e João Dito (bateria), foi a primeira a se apresentar. Quando a banda começou a tocar, um pouco depois das 19h, os espectadores ocupavam um terço da capacidade total do teatro. Quem chegou só para o último show perdeu a melhor apresentação da noite.
O trio, que nasceu há pouco tempo, traz uma proposta muito bonita e original. A sonoridade da banda não segue um padrão e é justamente isso que faz o show ser tão bom de assistir. Entre as baladas, com um toque de blues, e as músicas mais vibrantes, com bateria minimalista e um quê de bossa nova, o grupo também mostra influências do folk, pop e rock.
Além das belíssimas harmonizações vocais, os integrantes compartilhavam olhares e sorrisos divertidos entre uma canção e outra. Mesmo com pouco tempo de banda, a Ellefante já tem um show interessante e interativo, em que os integrantes dominam bem o espaço e têm um ótimo entrosamento, além de parecerem muito à vontade para falar e brincar com a plateia.
Um dos pontos fortes da banda é o bonito timbre de voz e a versatilidade de Fernando. Na sensível “Começo”, ele presentou o público com uma ótima performance vocal, que em alguns momentos lembra o australiano Matt Corby.
No final dos shows, conversamos com o vocalista, que classificou a experiência de tocar no Brasília Sessions como sensacional, tanto pela oportunidade de tocar em um teatro tão tradicional, como pela chance de apresentar a sua música às pessoas que foram ao evento por causa dos outros artistas. O músico disse, ainda, que o primeiro álbum do trio está previsto para agosto e deve ter entre dez e treze faixas, incluindo as músicas já lançadas em sessões ao vivo. Antes disso, a banda ainda toca no Atomic Music Festival, com o The Maine, o famoso “grupo emo do Arizona”.
Enquanto o palco da Marrakitá era montado, Renato Gurgel começou sua apresentação, que atraiu a atenção de toda a plateia para a parte superior da sala. Acompanhado por Paulo Lessa (guitarra), Renato apresentou, pela primeira vez, o seu trabalho autoral ao público brasiliense. A serenidade da voz de Gurgel se espalhou pelo local e aqui e acolá tinha alguém balançando a cabeça no ritmo do bom samba-forró do rapaz.
O agora duo Marrakitá se apresentou após o pocket show do Renato. João Pedro Mansur (voz e guitarra), que tocou na edição anterior do evento, e Marcos dos Santos (bateria e voz) se apresentaram com dois músicos de apoio: o baixista Pedro Miranda e o guitarrista Henrique Alvim.
O último single lançado pelo grupo, “Santuário”, fez parte da setlist, assim como algumas músicas do álbum “Coisas Selvagens”, de 2015. Infelizmente, os músicos não apresentaram as músicas do excelente “Ao Vivo Em Casa” (2014), EP de estreia da banda, que, à época, era um quarteto.
O baterista da Marrakitá é um show à parte. Marcos executa os movimentos com bastante energia e canta todas as músicas, sem deixar o sorriso sair do rosto. Dá gosto de vê-lo tocar. Além dos agradecimentos do vocalista à produção do Brasília Sessions, os músicos não interagiram muito com a plateia e deixaram o palco sem se despedir.
A Cachimbó ficou responsável pelo segundo pocket show da noite. Sem dúvidas, o eletropop de Laianna Victória (voz), João Pedro de Oliveira (teclado, sintetizador e percussão) e Paulo Batista (guitarra) merecia o palco principal. As batidas criadas por João Pedro embalam as dancinhas esquisitas da vocalista, que esbanja carisma e faz com que você queira se juntar a ela na coreografia à la Ian Curtis. Fica a vontade de que, em um futuro próximo, a banda volte com um número mais longo.
Para encerrar mais uma bem-sucedida edição do Brasília Sessions, Phill Veras entrou pulando no palco, após alguns minutos de atraso e de vários gritos do público, que clamava pelo músico. O maranhense, acompanhado do exímio guitarrista André Araújo, passeou por músicas de todos os seus três álbuns. Os fãs do cantor lotaram a FUNARTE e cantaram alto as canções de Veras, que foi bem recebido em sua estreia na Capital.
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Como sempre, a noite foi mais do que agradável. Pequenos detalhes, como banheiros inclusivos, mostram o cuidado e dedicação da produção, que respeita muito o trabalho dos artistas convidados e seu público. A produtora Marcella Imparato nos contou que o objetivo é crescer, mas sempre valorizando a cena autoral e local, além de fazer esse intercâmbio cultural com artistas de outros estados. Fica aqui a nossa torcida para que o Brasília Sessions cresça mais a cada edição.
Canal Riff 