Outro dia eu estava reclamando da dificuldade que as pessoas têm em encerrar ciclos e colocar um ponto final nas coisas; hoje, estou aqui com dificuldade de aceitar o fim de um ciclo que nem é meu. A vida é mesmo um paradoxo.
Nessa sexta-feira (23), os cariocas da Ventre anunciaram que a banda entrará em hiato. Assim, às vésperas de um show no Lollapalooza, que é considerado, por grande parte das pessoas, o auge da carreira de um músico independente.
Para acalentar os corações partidos, o trio lançará, em breve, um EP. As duas últimas faixas, “Pulmão” e “Alfinete”, você já pode escutar abaixo. Amanhã, quem estiver no palco Onix, às 11h50, poderá escutar, pela primeira vez, as quatro músicas novas ao vivo.
A Ventre, formada por Larissa Conforto (bateria e voz), Hugo Noguchi (baixo) e Gabriel Ventura (voz e guitarra), sempre foi fora da curva, tanto no som, quanto na trajetória. É muito difícil uma banda conseguir tanto em tão pouco tempo. Com apenas um álbum de estúdio, Ventre (2015), o trio ganhou os ouvidos e o coração de milhares de fãs; são mais de 22 mil ouvintes mensais só no Spotify. Eles viraram uma referência na cena nacional, são inspiração para muitas bandas. Fizeram (muitos) shows em vários estados do Brasil e foram atração em importantes palcos do circuito brasileiro de festivais. É muito difícil você encontrar alguém que não goste da banda, eles são quase unanimidade.
Apesar da tristeza pelo hiato, ainda consigo enxergar poesia nesse “até logo” do grupo. Como freiar quando se está caminhando pra frente e a passos largos? Como interromper a viagem rumo ao sucesso quando esse é o caminho que muita gente quer, mas não consegue? Na música, um universo que é uma constante batalha de egos, tomar uma atitude dessas chega a ser louvável.
Fica o sentimento de gratidão. Por ter tido a chance de ver vários shows do grupo, aquele show enérgico e que emana uma força transformadora pra quem está na plateia. Pelas músicas, que são o Yin Yang em forma sonora: têm uma delicadeza que nos afaga e uma agressividade que nos desperta. Gratidão pelo posicionamento político e social da banda, que sempre usou os shows como um espaço de conversa com o público. Os discursos da Larissa sobre o respeito à mulher são importantíssimos e eu tenho certeza que eles foram o pontapé inicial para a mudança de algumas pessoas.
Mas, como disse a própria banda, o fim é só mais um começo. Espero que não demore muito até a próxima oportunidade de ver a Ventre brilhando em um palco.
Se tem uma coisa que eu gosto em shows de artistas internacionais, principalmente quando se trata da primeira experiência deles no Brasil, é observar o rosto dos músicos e bailarinos. Não é nenhuma novidade que o público brasileiro é, vamos chamar, intenso e energético. E foi exatamente isso que levei dos shows de Oh Wonder e Zara Larsson, na última terça-feira (20), no nosso amado Circo Voador. A apresentação foi um dos side shows do festival Lollapalooza – que acontece nesse final de semana em São Paulo -, organizado pela plataforma Queremos! em parceria com a Heineken.
Apesar da casa não estar tão cheia, totalmente esperado para um show terça-feira à noite, a plateia carioca não deixa a desejar. Com poucos minutos de atraso, a dupla Oh Wonder subiu ao palco ao som dos gritos quase histéricos dos fãs. Com poucos músicos de apoio no palco – só um baterista e um baixista (confirmar na foto) – os ingleses se bastam em cima do palco. Os timbres de voz doce se completam às notas dos teclados e é quase impossível não se apaixonar. Ali eles apenas comprovam o porque do sucesso repentino na internet enquanto divulgavam música sem pretensão no Soundcloud.
Oh Wonder @2018
O setlist foi bem equilibrado entre canções de “Oh Wonder” e “Ultralife”, os dois álbuns de estúdio da dupla. Drive, Livewire, Dazzle, HighonHumans, Heavy e Lifetime eram as mais aguardadas e não ficaram de fora. Depois de um belo discurso sobre ser você mesmo e defender as inciativas e princípios que acreditamos, Josephine introduziu All We Do, que foi ovacionada pelo público. Body Gold, primeira música composta para o projeto, também fez barulho!
No quesito simpatia, os dois levaram nota 11! O sorriso estampado no rosto durante cada música mostrava da maneira mais clara o que eles estavam sentindo. Depois de passar um dia curtindo a cidade maravilhosa, com direito a praia em Ipanema e tudo, a energia não podia ser melhor! “Nós comemos açaí, fomos à praia e lá estavam nos oferecendo caipirinha às 10h da manhã. Definitivamente nós estamos no Rio de Janeiro”, contou Josephine. Depois de muitos pedidos, os dois voltaram ao palco saltitantes e encerraram o show com Ultralife e Drive.
Oh Wonder @2018
Mudando quase que radicalmente o cenário do Circo Voador, a doçura e leveza de Oh Wonder deram espaço para o clima sexy e dançante do pop de Zara Larsson. A sueca subiu ao palco com banda, backing vocal, bailarinas e muitos falsetes. As primeiras palavras de Zara em Never Forget You não foram ouvidas, microfone ainda desligado ou plateia ensurdecedora? Fica ai o questionamento. A certeza é que a jovem cantora, de apenas 20 anos, é muito popular entre o público LGBT, certeza de uma noite de muita diversão!
Zara Larsson @2018
Symphony – parceria com Clean Bandit -, Girls Like, Ain’tMyFault e Lush Love marcaram presença no setlist. Além dos grandes sucessos autorais, a cantora inclui músicas de companheiros de estrada. Ed Sheeran e Cardi B fizeram parte de pot-pourris: Shape of You acompanhou Don’t Let Me Be Yours, enquanto que Bodak Yellow deu força para I Would Like. Para atender aos pedidos incessantes dos fãs, Zara voltou para o bis performando uma música que não costuma estar em seu repertório, One Mississippi lavou a alma dos fãs.
Apesar da vibe diferente, os shows se complementaram para quem se dispôs as experiências. O combo de estreia de Oh Wonder e Zara Larsson no Brasil funcionou muito bem, pelo menos para os cariocas que não vão ao Lollapalooza no fim de semana. Eu certamente vou passar mais algumas semanas ouvindo os CDs no repeat e lembrando do rostinho da dupla inglesa completamente anestesiada. A grande lição é que uma noite e um festival como esses comprovam que tem espaço para todo mundo curtir e se divertir junto. Afinal, música é isso, né?
É oficial! Decretei aqui que o Circo Voador é uma das casas de show mais mágicas do Rio de Janeiro. Não tem uma noite que eu tenha passado nesse lugar que não me fez ficar encantada com alguma coisa. Seja produção, público, energia ou banda. No último sábado, 03 de março, foi a vez de O Terno e Boogarins e, é claro que não seria muito diferente. Com casa cheia, cada banda trocava sinceridade e intensidade – na medida – com o público.
Quem abriu a noite foram os paulistas d’O Terno, que levaram boa parte do público presente. O Circo Voador acompanhava alto cada música apresentada pelo trio. Além disso, a banda também contou com o apoio de três incríveis musicistas. A inclusão de metais no novo show deixou tudo ainda mais bonito e, depois de certo tempo dos cariocas esperando por outra apresentação após o lançamento de Melhor do Que Parece, parecia o reencontro ideal. Em cima do palco, Tim, Biel, Guilherme e o trio de metais tocavam em perfeita sintonia.
O Terno @2018
No repertório, músicas do último CD eram a maioria. A História Mais Velha do Mundo, Não Espero Mais, Deixa Fugir e Lua Cheia foram as primeiras da noite. Um dos grandes destaques da apresentação ficou por conta dos solos. Principalmente de Biel Basile, na bateria, e do trio de metais. Douglas Antunes e Amilcar Rodrigues também participaram das gravações do terceiro disco da banda. O show seguiu com Eu Confesso, Depois que a Dor Passar, Nó, além de O Orgulho e o Perdão – um dos pontos altos da noite. Bote ao Contrário e Volta, não ficaram de fora. Ao se aproximar do fim do show, Culpa ganhou coreografia e palmas e engatou em Ai, Ai, Como Eu Me Iludo e Melhor do Que Parece. Depois de calorosos pedidos de “mais um”, a banda voltou ao palco e encerrou a noite com 66, sucesso do primeiro CD – lançado em 2012.
Não muito tempo depois, o quarteto goiano de Indie Rock Psicodélico subiu ao palco trazendo o show do novo disco Lá Vem a Morte, lançado em junho de 2017, e provocando uma experiência diferente para o público. Dinho Almeida, Benke Ferraz, Raphael Vaz e Ynaiã Benthroldo apresentam um show bastante linear. A luz baixa e o instrumental das músicas te convidam a viajar no mundo dos Boogarins. A platéia já estava menos cheia e não cantava tão alto as músicas, era uma outra proposta de envolvimento. Foimal, Doce, 6000 dias e Lucifernandis chamaram atenção na apresentação da banda que já se apresentou em diferentes e importantes festivais pelo mundo – como Primavera Sound, Coachella, Lollapalooza e South by Southwest.
Boogarins @2018
A diferença entre as bandas se somou na noite de sábado. Não sei se todos ali, já que muitos estavam presentes por conta da segunda banda, concordariam comigo, mas o encaixe seria ainda melhor com a ordem de shows invertida. Com um show muito mais enérgico e apaixonado, O Terno se reforça como um dos grandes nomes do cenário atual.
Recomeçar foi um dos discos brasileiros mais comentados em 2017. O lançamento de Tim Bernardes, fora da banda O Terno, foi muito esperado e superou às expectativas do público e da crítica. Os shows de lançamento têm sido feitos de maneira mais leve e tranquila, por isso, cada capital por onde Tim passa aguarda ansiosa pela oportunidade de desfrutar deste espetáculo ao vivo. O Canal RIFF não poderia perder a oportunidade de estar presente neste dia tão especial e, de quebra, ainda batemos um papo com o multi-instrumentista. Confira!
Tim Bernardes @ 2018
O cenário simples e minimalista nos fazia sentir como se estivéssemos dentro de um quarto com Tim. Era o momento dele nos mostrar seu íntimo, da maneira mais verdadeira que poderia. Em entrevista exclusiva, o cantor contou como foi lançar um trabalho solo. “Foi um processo completamente diferente dos discos que eu já tinha feito com O Terno. Eu sempre fui 100% focado na banda e, vira e mexe, compunha uma canção que tinha uma pegada bem mais pessoal”, explicou. O paulista ainda disse que escolheu músicas que, de alguma forma, tinham a ver com a temática de estar sozinho, de ver uma estrutura ruir – seja por uma mudança, um relacionamento, etc -, e o silêncio. “O disco é o meio do caminho, o limbo até, de fato, algo recomeçar. O tempo que eu guardei essas músicas eu não tinha nem coragem de mostrar para as pessoas, deixava elas guardadas e de tempo em tempo eu ouvia e continuava gostando delas”, concluiu.
Se as gravações já são emocionantes, ao vivo a coisa fica ainda mais bonita! Acompanhado de um piano e duas guitarras, onde se divide a cada música, Tim apresentou músicas do álbum solo, suas composições com O Terno, além de versões de canções de outros artistas. No meio de lindas performances de Jorge Ben Jor, Gilberto Gil, Black Sabbath, Belchior, entre outros, o grande destaque da noite ficou por conta de Soluços, música de Jards Macalé. Entre as canções da banda, Volta e Melhor Do Que Parece, presentes no último disco, não ficaram de fora do set list. Além disso, a iluminação baixa também te transporta para o universo de Tim.
Tim Bernardes @ 2018
O público cantava mais tímido a maioria das músicas, pareciam estar ali apenas observando e absorvendo o que o multi-instrumentista havia preparado. “Eu to bem feliz! Eu sabia que estava fazendo um disco e que eu achava as canções bonitas, estava caprichando e que seria algo que eu, como ouvinte, gostaria de ouvir. Mas eu não tinha certeza do quanto eu queria lançar e expor ele num primeiro momento, que eu ainda estava tímido. No meio do processo, que eu vi ele tomando força e virando uma grande coisa assumi a ideia de lançar mesmo, fazer clipe, divulgação e chegar no máximo de pessoas possível. Até agora é o disco que eu mais consegui me realizar musicalmente”, confessou.
Dentre as músicas de Recomeçar, a que mais se destaca é Não. Ao vivo isso não seria diferente. Além dela, Tanto Faz, Quis Mudar, Talvez, Ela Não Vai Mais Voltar, As Histórias do Cinema, e Ela, não ficaram de fora do set list – e nem poderiam. A verdade é que, conforme o show vai avançando, mais a gente quer ouvir. É como se fosse aquele grupinho de amigos tocando na sala em mais uma reunião entre vocês, você só quer ficar ali curtindo aquele momento por um tempinho. Mas uma hora, infelizmente, chega ao fim.
Tim Bernardes @ 2018
Mas se engana quem pensou que Tim deu um tempo. Além de seguir apresentando Recomeçar pelo Brasil afora, o cantor tem importantes encontros marcados com O Terno. A banda se apresenta no segundo dia do Lollapalooza Brasil e os meninos estão animados. “Eu acho que vai ser legal, vão pessoas do Brasil inteiro. To com essa sensação de que vai ser o maior encontro mundial de fãs d’O Terno até então”, contou sorrindo. E as surpresas não param por ai, Tim contou ao Canal RIFF que eles estão com um novo show, renovado, e querem curtir esse momento. Mas, também estão ensaiando coisas novas e parece que vem novidade por ai! Então fica ligado no Tim Bernardes, na banda O Terno e não da mole de perder.
Que 2017 foi um grande ano para música nacional ninguém tem dúvidas. Uma das bandas que roubou a cena e mostrou que veio para ficar foi a francisco, el hombre. Uma mistura de culturas, ritmos e, porque não, movimentos. Aproveitando que o grupo estará de passagem pela cidade maravilhosa no próximo dia 12 de janeiro (sexta-feira), o Canal RIFF bateu um papo com Rafael Gomes, baixista da banda, sobre os últimos acontecimentos e as expectativas para o próximo encontro com o mágico Circo Voador.
“Faziam anos que sonhávamos em ter o nome no Grammy ao lado de outros nomes que tanto nos inspiram”, afirmou Rafael Gomes.
Com o início de um novo ano chega a ser inevitável pensar em tudo que se passou durante o período anterior. Para Rafael, a dinâmica de cada ano se transformando completamente com o passar do tempo é muito linda. “2017 foi um ano muito importante para a gente! Circulamos por uma infinidade de lugares com o soltasbruxa. Conhecemos lugares incríveis, aprendemos com todas essas e experiências e descobrimos, pouco a pouco, que nossa tinha potencial de ir muito longe”, relembra.
O ano foi cheio de energia e grandes conquistas. Entre elas, os grandes destaque ficam para a indicação ao Grammy Latino – na categoria Melhor Canção em Língua Portuguesa – e o convite para tocar no Lollapalooza 2018. Para o grupo, as notícias foram surpreendentes e especiais. O mais gratificante, destaca Gomes, foi a primeira indicação sem nenhum nome de gravadora na categoria. “Me sinto mega honrado em saber que os tempos estão realmente mudando e não se precisa de uma mega estrutura por trás de uma carreira artística para conquistar reconhecimento à nível internacional. Ainda que seja uma premiação estadunidense à indústria latino-americana é muito importante pra gente saber que essa galera tá escutando nosso som e dando valor ao que cantamos”, contou.
Carnaval, Lollapalooza e os planos para 2018
Integrando o line-up de peso do próximo Lollapalooza Brasil, fancisco, el hombre vê o festival como uma grande festa da música. “O ‘time’ brasileiro tá incrível! Várias e vários artistas que dividem cena com a gente, sem mencionar os artistas internacionais. Costumamos dizer que festival é que nem festa de aniversário: dia de rever amigos da estrada e conhecer ainda mais gente para se conectar e seguir junto dali pra frente!”, brincou Rafael. Além dos shows, dentro e fora do país, 2018 vai trazer novidades! De acordo com Gomes, ainda não há uma data para o lançamento do novo CD, mas as ideias estão fervilhando.
francisco, el hombre traz bloco de carnaval para o Circo Voador
O grupo é um misto de culturas e nada mais justo que explorar isso com uma das maiores formas de expressão cultural brasileira: carnaval! Infelizmente, os ventos ainda não vão trazer o grupo no período mais agitado do ano, mas o pré-carnaval está ai pra isso! Não é a primeira vez que a banda mexicana-brasileira toca no palco do Circo Voador e, segundo o baixista, é sempre uma experiência incrível. “O público sempre faz uma parte importante do show e esperamos que as pessoas venham compartilhar da boa energia que 2018 vem prometendo. Além das participações mais que especiais d’As Bahias e a Cozinha Mineira e da Clarice Falcão, a Aline Paes vai chegar junto na bagunça. As amigas da Mulamba vem como banda de abertura e, espero eu, que elas subam no palco com a gente também”, convidou Gomes. O Canal RIFF até tentou descobrir, mas Rafael deixou todo mundo curioso. “Dizem ainda que várias outras amizades devem aparecer pra engrossar o caldo… E bom, se esse ano tem disco novo, pode ser que alguma coisa apareça no repertório, né?! Vai saber”, afirmou.
A festa vai ser bonita e, se você quer entrar nessa dança, não perde mais tempo! O show acontece no dia 12 de janeiro e a casa abre às 22h. Os ingressos ainda estão sendo vendidos e os preços variam entre 40 e 100 reais. Ah! E se você for, não esquece de contar aqui pra gente como foi.
A organização do Lollapalooza ainda não deu muitos detalhes sobre a programação do festival, ou mesmo sobre os preços. A novidade já adiantada é que na edição do ano que vem, voltaremos a ter três dias de evento.
Contudo, nomes já vão sendo noticiados como prováveis a subir no palco do Autódromo de Interlagos (SP). O jornalista José Norberto Flesch já havia afirmado, por exemplo, que Royal Blood e Pearl Jam desembarcariam em São Paulo como headliners.
Hoje (11/08), Flesch apareceu novamente, e em sua conta pessoal no Twitter, divulgou que The National é mais uma atração confirmada no festival.
A banda americana de indie rock, formada em 199, em Ohio, recentemente lançou a canção“Carin at the Liquor Store”, que estará presente no seu sétimo álbum, “Sleep Well Beast”, com data prevista de lançamento para 8 de setembro.
E ai riffeiros, curtiram a novidade? Quem aí curte The National?
Aos poucos vamos sabendo das novidades do Lollapalooza Brasil e ficando cada vez mais animados com isso.
Em seu site oficial, a produção do evento divulgou que a edição de 2018 acontecerá nos dias 23, 24 e 25 de março. Isso mesmo amigos, voltaremos a ter três dias de festival, e dessa vez com a promessa de mais de 100 bandas se apresentando no Autódromo de Interlagos (SP).
Até aqui isso é o que temos de oficial. Mas apesar da produção não ter dado mais detalhes, algumas informações já surgem e alguns nomes já são noticiados como certos para aterrissarem em São Paulo.
O editor de Diversão & Arte do Jornal Destak, José Norberto Flesch, cravou que Royal Blood e Pearl Jam já estão confirmados como headliners do festival. Ainda segundo Flesch, as vendas pro Lollapalooza Brasil 2018 – e Argentina – iniciam-se na próxima terça-feira (08/08).
Em 2017 o Lolla foi um sucesso e contou com cerca de 190 mil pessoas curtindo shows de nomes como The Weeknd, The Strokes, Duran Duran, BaianaSystem, e mais. A promessa agora é que o #LollaBR2018 seja uma das melhores edições já realizadas.
E aí riffeiros, conta pra gente nos comentários como tá a expectativa pro evento e qual show não pode faltar.
Composta pelos irmãos Victor Meira (vocais/synths) e Alexandre Meira (guitarra/vocal), além de Lucas Felipe Franco (bateria) e Sandro Cobeleanschi (baixo), a Bratislava está na estrada desde 2009. A banda, que é uma das ótimas revelações do underground, estreou com o EP “Longe do Sono”, em 2011; e em 2012, lançou o primeiro álbum, “Carne”. Os paulistas ainda têm mais dois discos lançados, “Um Pouco Mais de Silêncio” (2015), e o mais recente registro, e um dos melhore nacionais desse ano, “Fogo”.
O RIFF bateu um papo com um grupo, que nos falou um pouco sobre os quase oito anos de carreira, o início difícil da banda no cenário independente, a experiência que tiveram no Lollapalooza desse ano, o processo de composição e produção de seu novo álbum “Fogo”, e muito mais em uma entrevista exclusiva. Leia abaixo:
Foto por Fernanda Gamarano
Vamos começar pelo início, lá em 2009/2010, quando a banda foi formada. Conta pra gente, como a Bratislava surgiu?
Victor: Bratislava surgiu como projeto paralelo de uma bagunça que a gente fazia com vários amigos músicos. No começo éramos eu, Alexandre e Pedro – primeiro baterista da banda, que saiu ainda no mesmo ano. A gente se juntava pra tocar versões de diversos artistas que iam de Caetano a Beatles, de Gogol Bordello a Portishead. Por conta de um concurso da OiFM, de bandas com material autoral, resolvemos trabalhar em alguns rascunhos e temas que tínhamos na manga. Aí nunca mais paramos essa brincadeira de compor.
A sonoridade de vocês é bem original, além do nome, “Bratislava”, que é muito legal. Quais foram as influências para criar essa sonoridade e como definiram o nome? Que identidade pretendiam dar à banda?
Victor: A gente foi criando isso ao longo do tempo. Nos primeiros releases acho que a gente estava explorando gêneros e estéticas bem diferentes umas das outras… hoje ouço e acho meio esquizofrênico, mas isso foi ótimo para a nossa formação. O processo criativo era mais “acidental” também: a gente criava uma linha, se apegava e desenvolvia… As letras eram recortes de poemas que se encaixavam e eu me importava menos com o fator dialógico, isto é, com a expressão de uma mensagem clara. Gostava de como certos conjuntos de palavras soavam, num sentido estritamente estético/sonoro mesmo, e aí muitas delas soavam como sugestões de situações ou cenários fantásticos.
O primeiro álbum da banda foi o “Carne” (2012) e antes dele teve o EP “Longe do Sono” (2011). Como foram esses dois primeiros anos de carreira e a repercussão desses dois projetos?
Victor: Os primeiros anos foram de aprendizado. A Bratislava foi a nossa iniciação na música independente, o que significa que até então a gente nunca tinha feito um show, nunca tinha gravado um disco. Então teve gravação de demo em 2010 no estúdio em que ensaiávamos; teve show na lama pra apenas uma pessoa na plateia num pequeno festival de bandas em Embu das Artes; teve a gente caindo na falácia desses produtores que botam dez bandas pra vender ingressos pra um evento de “batalha de bandas”; teve todos os tombos e tropeços que uma banda pode levar. Mas tem histórias incríveis também. Organizamos muito bem o show de estreia da banda, que foi num galpão na Vila Madalena pra um público de 400 pessoas; fizemos o nosso primeiro show fora de São Paulo (Bar Valentino, em Londrina-PR); e de modo geral a gente foi sacando que é no coletivo que as coisas tem chances legais de funcionar, que não há lugar pra egotrip nessa estrada, que a conquista de hoje nunca garante a de amanhã e que é preciso de trampo firme e contínuo pra seguir fazendo o que se ama.
Aliás, Victor, falando nisso de projetos, você tem em paralelo à banda, pegadas literárias. Como está levando isso hoje? E de que forma a literatura tem influenciado a banda?
Victor: Tive uma produção literária bem prolífica entre 2006 e 2010. Coordenava 3 blogs coletivos de poesia (adorava essa época dos blogs) e participava esporadicamente de mais uns tantos. Com o início da banda naturalmente passei a dedicar mais tempo às composições e a atividade literária começou a se concentrar no formato da letra de música. Eventualmente rascunho um conto, uma narrativa, mas os poemas que inicio na maior parte das vezes acabo musicando. E sigo lendo sempre, poemas, romances, contos, o que vier. Gosto de ficção brasileira, latino-americana e francesa, de preferência coisa nova, de autores vivos ou lançados há menos de 50, 60 anos. Clássicos como Cortázar, Borges, Sartre e Camus estão entre meus favoritos.
Em 2015 vocês lançaram o segundo álbum, “Um Mais de Silêncio”, no formato de Zine. Como e por que decidiram apostar nesse tipo de trabalho? E pra quem quiser ter o Zine hoje, ainda é possível?
Victor: Claro! Qualquer um pode comprar nosso zine nos nossos shows ou na nossa lojinha on-line: bratislava.iluria.com. O zine foi um formato, pra nós, de dupla função: questionar a tradicional e quase-obsoleta mídia CD e explorar um formato que valoriza mais as artes gráficas do que um simples encarte enjaulado em um box acrílico. Na verdade você pode encarar o zine como um encarte de luxo, ou como um pequeno livro. O lance é que o objeto-protagonista deixa de ser a mídia (CD) e passa a ser o livrinho em si, as artes gráficas, as letras.
Lucas: A gente quebrou bastante a cabeça até chegar nesse formato. Surgiram outras opções, mas queríamos explorar uma vertente visual/gráfica forte e o zine veio como uma luva. Tanto que seguimos com esse formato no disco novo.
Zine do álbum Um pouco Mais de Silêncio
Ainda sobre o segundo disco, ao ouvirmos, fica claro a intenção da banda de fugir da previsibilidade, tantos nas letras quanto no instrumental. Como foi esse processo de composição?
Victor: Creio que você fala sobre o “Um Pouco Mais de Silêncio”, né? Pois é, acho que a questão do deslocamento do real (a sugestão do impossível e do absurdo) sempre foi um motor pra mim, como autor. O previsível é bobo. O complexo/estranho possui uma magia, que talvez seja a magia do desconhecido, do escuro. E o que brota da nossa cabeça, enquanto expressão, normalmente é amórfico mesmo, poucos sentimentos são classificáveis e menos ainda cabem em currais universais. Acho que é o que mantém o xadrez do “fazer humano” infinito. Então não acho que é uma fuga, como você propõe. É mais um fundamento pessoal. Acho que tudo o que componho e escrevo tem essa característica e isso deveria se evidenciar a cada lançamento. Mas aí em “Fogo” resolvi me dedicar mais à questão dialógica, comunicar além de expressar, e isso foi um conflito bom, estimulante.
Lucas: O “Um Pouco Mais de Silêncio” tem uma composição orquestrada demais, meio cabeçuda, eu acho. Mas era o que, de fato, era a Bratislava naquele momento. Experimentamos muito, gravamos em diversos estúdios, tínhamos claro o que queríamos produzir e esse foi o resultado.
Dois anos à frente na nossa linha do tempo, chegamos, em quem sabe talvez, seja o maior evento da banda. Lollapalooza. Como aconteceu o convite? E qual a sensação de tocar em um dos festivais de música mais disputados e queridos do circuito?
Victor: Recebemos o convite no dia 30 de agosto de 2016, dia em que fomos ver a Kalouv tocar no Prata da Casa e eu só pude dizer pros caras depois do show, porque ainda era informação sigilosa, toda aquela história. Fizemos festa baixinho, num cantinho lá no SESC Pompeia, foi bem engraçado. Meses antes, uma amiga nossa que é jornalista apresentou nosso som para um dos produtores do festival. Ela fez o contato na época em que saiu uma matéria no Caderno 2 apontando a Bratislava como promessa do rock nacional. Rolou um timing bom, acho que chamou a atenção deles. Pra nós era mais um tiro no escuro, coisa que fazemos todos os dias como parte integral da nossa atividade de booking, de participação em programações musicais e festivais. E aí em agosto veio a surpresa do convite, que explodiu nossa cabeça. Sobre a sensação de tocar no festival, já toda uma outra história. Foi uma experiência maravilhosa. Nos sentimos super-heróis naquele dia, com aquela estrutura que engrandecia a nossa figura, a nossa voz. Provamos um pedacinho do paraíso, acho que é a sensação que fica. E há toda uma história de evolução pessoal e musical dos quatro da banda, ligada aos preparativos para o grande dia. Foi uma fase deliciosa.
Lucas: Foi um baita momento! Aquela estrutura a favor do nosso som! Mas é só mais um tijolinho colocado na construção. Até hoje fica aquele gostinho de “será que foi verdade tudo isso”? E foi! Uma conquista enorme por uma banda que faz tudo independentemente.
Bratislava no Lollapalooza 2017 | Foto por Lucci Antunes
Conseguiram ver algum show? Algum que fez a banda vibrar como aquele verdadeiro fã?
Victor: Só consegui ver um único show inteiro, curtindo e me entregando ao som como fã, que foi o show da MØ. Against all odds, adoro o som pop dela, acho diferente de outros pops. Sinto honestidade, uma verdade ali no que ela faz, e a voz dela me hipnotiza. Foi um “showzásso”.
Lucas: De manhã, quando chegamos no palco pra passar o som a galera do The Weeknd estava terminando de passar o deles. Ficamos curtindo esse momento e depois trocamos uma ideia com os músicos da banda. Ali, pelo menos pra mim, já valeu o rolê todo.
Como foi a relação com um evento de porte tão grande? Acham que esses tipos de festivais podem prestigiar mais as bandas independentes?
Victor: Não sei se podem prestigiar mais do que já o fazem. O lineup é montado com base crescente no estimado número de fãs que cada artista tem, então é natural que as bandas menores e mais novas – que tem menos público – se apresentem mais cedo. Funciona assim em qualquer festival. E fomos muito bem tratados, o som estava animal, passamos o som sem correria, os traslados foram eficientes, nada faltando no camarim… enfim, tudo joia! Uma coisa que sentimos falta foram coberturas dos shows nacionais, especialmente por parte dos sites mais relevantes da cena independente, que lemos e acompanhamos. Muitos deles cobriram do meio do festival pra frente, em ambos os dias, deixando de lado as bandas menores. Tomara que nas próximas edições eles mudem esse mindset.
Aliás, como vocês enxergam a relação entre o mainstream e o underground hoje em dia? O quanto mudou de 2010 até aqui?
Victor: Acho que são duas coisas muito distintas. Fazer música significa uma coisa bem diferente pra quem tá jogando no mainstream. E nesses últimos 7 anos acho que estamos vivendo uma revolução constante no mercado fonográfico. Todo ano você tem que dar um refresh no seu set enferrujado de “certezas” em relação a esse mercado.
Lucas: Ás vezes eu comento que existe um mainstream dentro do underground. Bandas que se sobressaem e colhem frutos no underground de um jeito parecido com o que rola no mainstream, sei lá. E sim, é tudo muito dinâmico mesmo.
Agora, finalmente vamos conversar um pouco sobre o mais recente trabalho da banda. O terceiro disco, “Fogo”. Lá atrás questionamos sobre a influência que a literatura exerce na Bratislava, e elas ficam claras ao ouvirmos Fogo. A gente percebe muita inquietação sobre o modelo de sociedade atual e insinuações existencialistas. Isso confere? Qual é a ideia desse álbum?
Victor: Sim. “Fogo” é um álbum no qual resolvemos transmitir com mais clareza o modo como nos vemos, como entendemos o nosso papel no mundo hoje. Acho que mesmo as canções mais introspectivas demonstram esse posicionamento.
Lucas: FOGO é música de mensagem. E tudo reflete o que, nós integrantes, vivemos.
Zine do álbum Fogo | Por Meli Melo Press
Como foi o processo de composição do “Fogo”? Como cada membro da banda contribuiu na composição?
Victor: Foram diversos processos, cada música feita de um jeito. “Enterro” começou com uma ideia do Xande, uma linha de guitarra. “Sonhando” eu compus no piano (e no disco nem gravamos piano) e já levei para a banda mais formatada. “Amor de Chumbo” nasceu de uma jam, de uma onda que o Sandro e o Lucas estavam tirando durante uma sessão de composição. “Trancado” nasceu dessa linha de baixo que o Sandro criou, que percorre a música toda.
“Céu de Pedra” tem uma história engraçada. Compus ela inicialmente para “Escorpião”, álbum do meu projeto paralelo, Godasadog. Parte dos vocais desse disco eu gravei no estúdio de um amigo, Pedro Rizzi, e ele, ao me ouvir gravar apertou um pause, veio até mim, olhou no meu olho e falou “cara, essa música é Bratislava”. Isso aconteceu em agosto ou setembro do ano passado, justamente no período em que a Bratislava estava trabalhando nas novas composições. Decidi dar ouvidos ao amigo.
“Dança de Doido” também partiu de uma jam entre eu, Sandro e Lucas, no quintal da casa dos meus pais, interior de São Paulo. “Fala Prescindível” é uma obsessão minha de longa data, mas que resolvi botar em prática só agora pra esse disco. Li “O Jogo da Amarelinha”, romance do escritor argentino Julio Cortázar, em 2010, e um trecho específico ficou vagando minha mente por todos esses anos. Trata-se do capítulo 143, presente na 3a parte do livro (nomeado “capítulos prescindíveis” – daí o nome da faixa), em que um dos personagens relata uma experiência de intersecção potencial de sonhos. A ideia me fascinou e grudou na minha cabeça por muito tempo. Reli o livro durante o processo criativo de “Fogo” e iniciei um “combate não-corporal” com o capítulo, reescrevendo-o inúmeras vezes, regravando também dezenas de vezes até chegar em algo que eu acho que fazia sentido pra mim – como se fosse uma memória minha, pessoal (o ponto onde não há mais diferenciação entre ficção e memória).
Por fim, “Fogo” talvez seja o único resgate de um tema que compus há alguns anos. Compus no baixo o tema inicial talvez entre 2013 e 2014, e a sequência da música foi desenvolvida junto à banda. As letras dela e de “Trancado” foram as últimas a serem escritas (finalizei ambas alguns dias antes da gravação dos vocais do disco, quando todo o restante já havia sido gravado). A primeira versão da letra de “Fogo” falava sobre criminalização do aborto. Na época quebrei muito a cabeça no assunto, lendo muita coisa, conversando com muitos amigos e amigas sobre isso. Naturalmente fui tendo vontade de abrir mais a discussão até chegar no ponto em que chegou: o meu lugar de fala e o meu papel social.
Já a ideia de “Trancado” surgiu durante a gravação de bateria. Chovia muito lá fora e, durante uma das gravações, fiquei olhando hipnotizado para o monitor da câmera de segurança. Alguns minutos antes o Sandro tinha comentado, na sala de gravação, que ele nunca tinha sonhado na vida, ou que não lembrava se já tinha sonhado alguma vez. Eu estava sob efeito dessa revelação assustadora (imagine, nunca ter sonhado!), olhando fixo para o pequeno monitor que mostrava as gotas de chuva resvalando contra o portão externo do estúdio. Então imaginei O Sonho, em si, a entidade-sonho, como se fosse um vulto vestido de trapos escuros, chegando à noite pra mostrar coisas ao seu “amo” adormecido, mas ao tentar entrar em sua mente encontrava o portão trancado e não conseguia entrar. Foi o ponto de partida, a inspiração.
Cada letra tem sua história, cada composição, cada linha instrumental. E todos os 4 mexem, opinam, mudam coisas ao longo do processo criativo. É bastante orgânico e até mesmo composições como “Sonhando” e “Céu de Pedra”, que eu já trouxe estruturadas e com letra, acabam se modificando, me inspirando mudanças de narrativa, incitando progressões harmônicas novas ou arranjos novos.
Sobre a produção/gravação do disco, como foi feita? Foi muito diferente do “Um Pouco Mais de Silêncio”?
Victor: Foi bem diferente. Em “Um Pouco Mais de Silêncio” gravamos cada instrumento em um estúdio diferente. Queríamos fazer um giro, entender os processos de vários produtores e passear por diversos pontos de vista ao longo da gravação. Foi um aprendizado incrível, uma puta experiência. Já em “Fogo” decidimos o contrário. Optamos por profundidade ao invés de abrangência e diversidade de pontos de vista. Fizemos uma gravação cautelosa e sem pressa junto ao produtor Hugo Silva, do Family Mob Studios. Ele se envolveu bastante e isso foi muito precioso para o processo. Enfim, duas experiências distintas, ambas com muitos aprendizados.
Em “Enterro” temos uma narrativa do triste desastre natural em Mariana (MG). Como a banda viveu esse incidente, e como ele inspirou na composição da música?
Victor: Vivemos essa tragédia específica como a maioria dos brasileiros, digo, através dos noticiários. Não estávamos presentes no local e no dia do ocorrido, mas o acontecimento em si é estarrecedor e tomar conhecimento dele nos comoveu muito. É um marco histórico no Brasil e uma história que merece ser relembrada sempre, que merece ter mais tempo de vida na memória dessa geração, tamanho o descaso das mineradoras responsáveis pelo desastre.
A faixa “Fogo” é sem dúvida uma das mais intensas do disco. Qual mensagem ela tenta passar?
Victor: Ela é canção situacional, uma auto-análise e um questionamento: pra que que eu tô aqui? Qual é meu papel? Eu tenho um papel? Eu mesmo! Homem, branco, hetero, estereótipo historicamente nefasto, perverso, lesivo e covarde… Eu-criatura, em meio a esforços e lutas por justiça, posso ter um papel ao mesmo tempo ativo e positivo em busca de um mundo sem diferenças, sem gangorras sociais? Como carrego essa herança maldita e não me deixo aniquilar pelo peso dela? Como sequer falar sobre isso, sempre sob o risco hermenêutico? É sobre isso, sobre externar um entendimento sobre si mesmo enquanto agente social. O mundo vive uma fase flamejante, maravilhosamente auspiciosa. Acho que as coisas nunca foram tão claras, tão quentes.
Lucas: É essa inquietação social, esse cotidiano intenso. “Fogo” é sobre saber onde e como se colocar, sobre quando ser passivo ou ativo. Tanta coisa acontece o tempo todo e, né?, o que fazemos? Essas coisas queimam, saca?
Bratislava no Lollapalooza 2017 | Foto por Camila Cara
Falando sobre as participações de Gustavo Bertoni (Scalene) na faixa “Enterro”, e Aloizio na faixa “Dança de Doido”, como foram os convites e as escolhas das músicas que cada um participaria?
Victor: Chamei o Gustavo pra participar depois de uma jam que rolou no estúdio Family Mob. Nessa feita ele cantou um som do Far From Alaska, cantando de um jeito bem gritadão, e eu fiquei assombrado com o quanto aquilo era foda. Enxerguei a voz dele encaixando como uma luva nesse tema-ápice de “Enterro”. Já o Aloizio é um grande parceiro de jornada. Tocamos juntos no projeto solo do Beto Mejia (ex-Móveis Coloniais de Acaju) e começamos a trocar muitas ideias, muitas figurinhas. A gente acompanha de perto o trabalho um do outro, ainda faremos muitas coisas juntos. É muito massa poder compartilhar nosso som com caras tão talentosos.
O disco completo contém oito músicas – Gostamos de discos curtos assim. Mas dá aquela sensação de querer mais. Pensei, em tom de brincadeira, “é uma alusão aos oito anos da banda”. É isso mesmo? Ou existe alguma outra motivação?
Victor: Olha só, que massa! Não tinha feito essa conexão com o número 8! Queríamos mesmo lançar um disco mais conciso e direto. A gente ainda gosta muito de tocar músicas do anterior, “Um Pouco Mais de Silêncio”, então boa parte do repertório anterior nos shows permanece. Ao mesmo tempo, passamos a nos entender como uma banda melhor, mais bem preparada e pronta pra gravar um novo registro.
Quando pensaram em fazer um disco mais conciso, como mencionou, a ideia sempre foi ter oito faixas? Ou ficou alguma música ai guardada que os fãs de vocês podem esperar pra ouvir?
Victor: Haha, pergunta perniciosa! Não ficou nenhuma pra trás não. Sabemos que o processo criativo clássico de um artista é compor/gravar mais canções do que serão lançadas, às vezes 20, 30, 40 canções pra selecionar as 10 ou 12 que formarão o álbum. Mas a Bratislava nunca trabalhou assim. As composições que a gente inicia e não vê muito futuro a gente já larga desde o começo, antes de consolidar qualquer coisa. As que a gente leva pra frente a gente mexe de maneira insistente e inquieta até chegar aonde queremos.
Além disso, um dos princípios da nossa fase atual é ser fiel ao que estamos vivendo e sentindo HOJE, jamais resgatar ideias de 2 ou mais anos atrás. Acho que a gente vive uma transformação de mindset violenta, diariamente, e procuramos estar muito atentos a isso. Queremos que as mensagens que iremos passar nos shows não sejam desprovidas de um sentido real e forte pra nós quatro. Então, quer dizer, mesmo se tivéssemos deixado alguma composição pra fora do álbum, não a lançaríamos pois o tempo dela já teria escorrido. Nosso próximo lançamento vai ser sempre uma música recém-composta, refletindo as nossas ideias desse tempo futuro.
Como tem sido a divulgação e repercussão do álbum?
Victor: Tem sido bem positiva! Tem rolado convites para shows, tem aberto porta pra tocarmos em festivais e marcar shows em cidades nas quais ainda não tínhamos tocado. Cada álbum abre novas possibilidades, gera novas experiências. E temos recebido feedbacks muito carinhosos de fãs e amigos.
Lucas: Incrível demais. Na real a galera tem sacado a mensagem e isso não tem preço!
Capa do álbum Fogo | Arte por Pena Branca
Para a gente finalizar, como vocês enxergam a Bratislava de hoje em relação ao início da carreira? E o que podemos esperar daqui para frente?
Victor: A gente nunca teve uma formação tão firme e comprometida como essa, que se consolidou com a entrada do Sandro em 2014. Até então a banda já tinha visto muitas formações, as gravações tinham acontecido em meio a entrada e saída de membros, por motivos diversos. Hoje a gente se conhece bem e compõe com mais consciência da onda e da expectativa de cada um. Isso gera músicas e álbuns cada vez mais coesos, uma identidade cada vez mais forte. Só tende a melhorar!
Lucas: Eu entrei em 2013. Evoluímos muito de lá pra cá e isso é muito legal porque é o que a gente busca. A gente tem muita ideia e é muito massa poder concretizá-las em conjunto.
Ouça abaixo “Fogo”, o excelente terceiro disco da banda.
