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Todo mundo deveria ouvir o novo disco da Alaska, “Ninguém Vai Me Ouvir”

Por Felipe Ernani

Foto destaque por Stefano Loscalzo

Mudança de direção, quebra de paradigmas, reinvenção sonora… Quantas vezes não ouvimos esses termos quando se fala de um novo lançamento de uma banda? Mudar, de certa forma, virou clichê. Até porque é natural a expectativa de algum tipo de evolução, ainda que algumas bandas sejam levadas à frente pela inércia de lançamentos que consolidam uma carreira. Mais do que isso, na verdade, as mudanças foram se tornando previsíveis — assim como a ausência destas também, em alguns contextos.

Não foi nada disso que a banda paulistana Alaska fez com o seu novo disco, Ninguém Vai Me Ouvir, lançado ontem (31/08/2018) pelo selo Sagitta Records. O disco mostra, sim, tudo que foi citado ali em cima: uma quebra de paradigma, um rompimento com a sonoridade e atitude mais rock que o primeiro trabalho da banda (Onda, de 2015) propunha, uma adequação às tendências do mercado musical, etc.. No entanto, a grande importância desse trabalho é a sensibilidade instrumental e, principalmente, lírica.

Alaska é um quinteto formado por (da esquerda para a direita): Vitor Dechem (teclado, guitarra e voz), André Ribeiro (voz, guitarra e sintetizadores), Wallace Schmidt (baixo), Nicolas Csiky (bateria) e André Raeder (guitarra). (Foto: Stefano Loscalzo)

Quando as composições do disco começaram, a banda criou um espaço na plataforma Curious Cat para que fãs, amigos e pessoas em geral pudessem compartilhar histórias emocionalmente carregadas de forma anônima (ou não) que, em conjunto com as próprias cargas emocionais dos integrantes, formaram as inspirações da temática do disco: um grande manifesto sobre as frustrações das rotinas exaustivas, dos prazeres ditados (e ao mesmo tempo minados) pelas redes sociais, da eterna busca por uma resposta que parece estar em todo lugar mas ao mesmo tempo não está em nenhum.

Assim, paradoxalmente, o single inicial NVMO, lançado bem antes do disco, fala de forma bem crua e direta: “Tanta gente aqui / Mas se eu gritar ninguém vai me ouvir”. O instrumental (não só dessa música como do disco inteiro) muito mais focado nos sintetizadores, nos aparatos eletrônicos e na ambientação para as letras densas e os vocais cheios de efeitos reforça constantemente esse sentimento de estarmos perdidos no mundo, em meio a relações vazias, obrigações e regras sociais e profissionais ditadas por uma força cada vez mais invisível e difícil de se desgarrar.

Ao mesmo tempo, o disco deixa muito clara a relação de amizade entre os membros da banda e toda a equipe que trabalhou na confecção do disco, como se fossem justamente essas relações de proximidade e parceria quase incondicional a solução para toda essa confusão que nos permeia atualmente. Aliás, tamanha sensibilidade só é perceptível graças à produção impecável de Gabriel Olivieri, à mixagem fantástica de João Milliet e ao trabalho sensacional de Guilherme Garofalo tanto no projeto gráfico do disco quanto nos clipes lançados até agora.

Alaska — Ninguém Vai Me Ouvir (Projeto gráfico: Guilherme Garofalo)

É bastante difícil enumerar os destaques do álbum. Do começo ao fim, sente-se que o trabalho foi feito minuciosamente para que todos os detalhes remetam a sensações específicas, sentimentos outrora esquecidos e sem rebuscamentos desnecessários para camuflar a verdade (muitas vezes dolorosa) da mensagem transmitida. É assim com Tem Que Ver Isso Aí, cuja letra remete a um conflito interno entre o que somos e o que queremos ser. É assim também com Até o Mundo Acabar, talvez a faixa mais delicada do disco justamente pela auto-reflexão de um amor não mais possível. Instrumentalmente, Tudobem” aparece como um dos destaques por ter um refrão que resgata e recontextualiza a sonoridade do disco Onda; além dessa, a dupla O Que Foi Nosso e Infinita Procura / Eterno Desligamento se encaixam perfeitamente e chamam muito a atenção do ouvinte.

A contemporaneidade do trabalho é uma das características mais charmosas, com toda certeza. A crueza, a ousadia e ao mesmo tempo o embelezamento de cada canção demonstra de uma vez por todas que a Alaska veio para se estabelecer com força no cenário nacional sem medo de enfrentar e questionar conceitos pré-estabelecidos. Ninguém Vai Me Ouvir com certeza firma o posicionamento do grupo e se torna, sem dúvidas, um dos fortes candidatos a melhor disco do ano e, ironicamente, deveria ser ouvido por todos que têm algum interesse na nova direção que a música brasileira vai tomando.

Escute Ninguém Vai Me Ouvir, novo álbum da banda Alaska:

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Lançamentos RIFF: Depressão e rotina mecânica são temas do novo clipe de Temporário, da banda Riviera. Confira!

Por Natalia Salvador

Os transtornos psíquicos e psicossomáticos vêm sendo tema frequente de diferentes discussões e peças artísticas. Na música isso não é diferente. Principalmente por, muitas vezes, se tratar de experiências pessoais dos artistas, a pauta é pertinente e está abrindo o caminho para que a informação atinja cada vez mais pessoas e o assunto deixe de ser um tabu. Hoje é dia dos mineiros da Riviera tratarem do assunto no clipe de Temporário, primeiro single do novo álbum Aquário. O Canal RIFF traz esse lançamento, além de uma entrevista com Vinícius Coimbra – vocalista e guitarrista -, com exclusividade para você. Confira!

Para aquecer o lançamento do novo trabalho, a banda, que é destaque da cena independente mineira, lança um clipe bastante pessoal para a faixa. A sonoridade mais madura não se distancia da base que sempre chamou atenção do público. Já a letra, remete à luta de Vinícius contra a depressão. Em entrevista exclusiva ao Canal RIFF, o vocalista afirma acreditar que falar sobre o tema é o primeiro passo para desenvolvermos a empatia no outro, percebendo assim que não estamos sozinhos.

“A nossa geração tá toda quebrada e passando por transformações culturais absurdas. Nós não conseguimos evoluir como pessoas na velocidade que o mundo evolui (ou involui, ainda não sei) e isso pesa demais e o corpo sente. Cada dia que passa vemos mais e mais pessoas tentando abordar esses temas, porque existe de fato um tabu, uma vergonha ou até mesmo desconhecimento sobre algo que afeta tanto. A ideia de que somos vulneráveis como seres humanos, culturalmente, não era tão citado como na nossa geração, e talvez, por isso, aparece tanto em evidência”, concluiu.

Falar das próprias experiências pode parecer simples aos olhos do público ao consumir o material pronto, mas nem sempre é fácil externalizar seus sentimentos e angústias, expondo isso a outras pessoas. Para Vinícius, todo esse processo funciona como um expurgo, que coloca tudo aquilo que se passa internamente para fora, quase como uma terapia.

“Eu sempre utilizei música para falar coisas que não tenho coragem de dizer ou sentir na vida real. É como se eu tirasse minha máscara dos bons costumes de uma vida coletiva saudável, pudesse ser eu cru e nu e dizer todos os meus absurdos. Isso pode gerar impacto de formas diversas em outras pessoas e, por mais atemporal que essa música seja, e as inúmeras interpretações que o público possa fazer com ela, pra mim ela guarda a moldura e foto do momento: seja pra lembrar ou seja pra esquecer, mas que de alguma maneira eu vivi”, pontuou sobre o tema abordado na letra e vídeo.

De acordo com o vocalista, apesar da letra autobiográfica deste single, o processo de composição é cada vez mais co-participativo. Além de Vinícius, Riviera é formada por Rapha Garcia (baixo), Rafa Giácomo (guitarra) e David Maciel (bateria), que dividem as tarefas entre música e tudo que envolve administrar uma banda. “Todo mundo tem alguma função além de ser músico, levamos demais a parte do ‘faça você mesmo’ conosco. Já os processos criativos na Riviera mudam muito, principalmente pela dinâmica da banda e algumas mudanças de integrantes. Mas no último álbum, principalmente, parte de arranjos foi uma construção bem coletiva, na maioria das vezes em jams, diferente do meu usual voz/violão e melodias estranhas gravadas no celular”, brincou o músico.

Riviera - Aquario
Capa do novo álbum – Aquário

O clipe de Temporário foi dirigido por Afonso Silva e, segundo Vinícius, não foi difícil chegar ao resultado que eles queriam. “A música fala um pouco da angústia sobre a temporalidade das pessoas e suas ideias, e me lembra uma fase muito ruim que vivi quando morava em Brasília, antes da Riviera existir. Eu morava num apartamento pequeno, com quase nada de móveis. Apenas um colchão no chão, muita comida processada e uma depressão fodida, onde apenas sobrevivia todo dia numa rotina de trabalho, casa, trabalho, sem amigos e poucas perspectivas”, relembrou.

Para construção das filmagens, a banda resgatou parte dessa rotina do vocalista, alguns objetos que existiam em seu apartamento e reproduziram este momento. Todo esse caos é representado por fantasmas do passado, que aparecem em múltipla exposição. Confira em primeira mão o resultado:

Recentemente vencedores do concurso promovido pelo Rock StartUp Festival, os músicos da Riviera estão empolgados com o disco Aquário, que será lançado no segundo semestre de 2018. “É um álbum denso, sonoramente bem mais pesado que os trabalhos anteriores e com um processo criativo muito mais espontâneo, experimental e coletivo. Acompanhado ainda de letras com temas nada fáceis de discutir, mas que pra mim, acima de tudo, é verdadeiro e fazemos questão de levantarmos essa bandeira ao falar sobre a angústia no disco. Sentimos que é ferida exposta e muita vulnerabilidade, e por isso, a gente espera que as pessoas se conectem com as mensagens sobre e percebam que no fundo no fundo, qualquer um pode passar por esses problemas”, concluiu.

Além disso, os caras estão doidos para rodar o Brasil apresentando o novo álbum e conhecendo os fãs. Quer saber quando sai novidade e se eles vão passar perto de você? Fique ligado nas redes sociais da Riviera e aqui no Canal RIFF!

[Lançamento] Felipe Vaz traz a melancolia de seu novo single “À Mercê”

Por Alan Bonner

Após seu EP de estreia Registro do Ócio e do single Dança, o cantautor Felipe Vaz, de apenas 19 anos, traz o segundo e último trabalho antes do lançamento de seu primeiro álbum. Trata-se de À Mercê, música de autoria do próprio Felipe com produção de Julio Victor, do nosso canal vizinho Tá Na Capa e da one man band Sasha Gray as Wife. O lançamento é pela Valente Records, selo que tem se destacado na produção de artistas independentes e eventos culturais na baixada fluminense.

No single, Felipe demonstra algumas das faces do seu caminho trilhado até aqui na música. O dedilhado de seu violão, junto de sua voz suave, trazem um pop/indie folk cantado em português de muito bom gosto e raro de se ver por aqui. As camadas do arranjo vão sendo adicionadas aos poucos, e a música vai crescendo de uma maneira intensa e envolvente com o uso de guitarra, bateria e até mesmo um violino. Vaz traz na letra, de forma sensível, o libertar de um amor oportunista e o conflito que as boas lembranças da relação trazem ao eu-lírico.

À Mercê está disponível nos perfis digitais de Felipe Vaz:

– COMPRE
Google Play: https://t.co/Vr4izu39s6

– OUÇA
Spotify: https://t.co/B7q5ss0WGv
Deezer: https://t.co/VHIVKxWTmu
Bandcamp: https://t.co/RjZLQxDl5U
YouTube: https://t.co/KhbEKbJqvR
Soundcloud: https://t.co/fPikbpgc5h

– BAIXE
MediaFire: https://t.co/faT372LRk4

Ouça também pelo Bandcamp da Valente Records:

https://valenterecords.bandcamp.com/album/merc

Belga lança o videoclipe de Âmbar

Por Camila Borges

A Belga lança hoje, o novo videoclipe ÂMBAR. A faixa, que leva o mesmo nome do álbum, representa a nova identidade da banda, que aposta no som mais pop para as novas etapas da carreira. A banda espera com o lançamento atingir um público diferente do que já o acompanha.


Banda brasiliense formada por Gabriel Foster (guitarra e vocal), Igor Nolasco (baixo), Matheus Leadebal (bateria) e Gabriel Bertulli (guitarra). A banda vem desde 2013 trazendo suas canções, melodias e instrumental cativante, que animam qualquer pessoa que os ouve.

O clipe, produzido pelos próprios integrantes da banda, junta elementos visuais e sonoros que se complementam. As luzes, cores e efeitos utilizados, são referência para a Belga também na hora de compor e produzir as canções em seu próprio estúdio. O pintor e surrealista belga René Magritte é homenageado no vídeo com referência ao seu trabalho. As obras “Os Amantes” e “O Filho Do Homem” foram as escolhidas para esta homenagem.
O denominado “Âmbar EP” carregas novas histórias, dessa vez com mensagens mais positivas, de maneira madura e marcante. Com um conceito bem estruturado, a banda encontrou sua identidade em meio à quantidade de referências que os integrantes agregam ao som. Com o instrumental dançante e letra que marca a quem ouve, esse novo trabalho se destaca pela novidade apresentada pelo grupo.

“Só” e ”Évora”, os novos Singles da Banda Alarmes

Por Camila Borges

Início de ano geralmente é sinônimo de férias, mas esse não é bem o caso da Banda Alarmes. O grupo de Brasília formado por Arthur Brenner (vocal e guitarra), Lucas Reis (baixo) e Gabriel Pasqua (bateria) lançou nesta última quarta-feira (31/1) dois singles: e Évora.

Nossa abordagem pras musicas novas mudou completamente. O intuito era deixar o som mais vivo, com mais verdade e com cara de power trio. Descemos um pouco a afinação dos instrumentos e botamos o peso que levamos pros shows na gravação, que é justamente o que mais gostamos. Essa mudança no processo todo de composição e produção nos levou a um resultado bem diferente.” destaca Arthur Brenner ao comparar o processo de gravação ao álbum anterior (Em Branco), além de ser uma forma mais madura mas sem perder a essência.

Gravação dos Singles

A gravação se deu no Estúdio Zeroneutro, da banda Natiruts. Contando com um time de peso formado por Samyr Aissami e Marcel Papa, mixagem com o Daniel Felix e masterização com o Joe La Porta.

Sobre as faixas a banda explica um pouco o processo “O Pizza (apelido do baixista) levou o riff de baixo do começo de Évora e fomos trabalhando juntos até termos uma estrutura pronta da música, depois fizemos vários testes com letras diferentes até que chegamos a um consenso com uma letra do Arthur, feita em uma madrugada. “” foi bem interessante de trabalhar, a música era completamente diferente no começo, parece que a viramos do avesso e chegou no resultado que queríamos. O Samyr deu uma mão cabulosa, principalmente em Só que ficou empacada em algumas partes durante o processo. Tivemos a melhor vibe de composição e produção possível, ficamos bem livres para experimentar tudo, isso gerou um resultado bem legal.

Em percebemos o peso de um adeus, a melancolia, uma reflexão profunda nos próprios erros, porém ainda com sentimento de esperança. Buscando pela compreensão, dando uma visão de um novo, uma abertura.

Évora é mais intensa, forte. Com momentos de libertação para seguir em diante.

Desafio

Antes da data de lançamento, nos dias 24 e 25 de janeiro, a banda lançou uma espécie de desafio. O fã iria diretamente para um link onde poderia ouvir a música “”. Porém, para obter acesso ao outro single “Évora”,  o desafiado faria um vídeo onde seria necessário postar nos stories do Instagram e marcar a banda. Aliás, vídeos esses que farão parte do videoclipe de “”.

Foi incrível fazer essa ação, aproximou a gente bastante dos nossos fãs e ainda conseguimos acalmar um pouco a ansiedade da galera de ouvir as músicas e a nossa de soltar pro mundo.” menciona Arthur sobre a ação em relação às músicas e a ansiedade.

Próximos Passos

E o ano de 2018 recém começou e a banda ainda pretende trabalhar muito em cima dos dois singles, além de outras coisas que serão lançadas no decorrer do ano como descreve Arthur neste trecho “A galera pode esperar muita coisa desses singles ainda! Teremos clipes, lyric videos, versões ao vivo, guitar cam e tudo mais, a ideia é fazer de tudo pra essas musicas enquanto a gente prepara o próximo disco e espalha essas canções pelo Brasil com as turnês que temos em vista.

E é claro, um recado para os fãs:

Gostaríamos de deixar um agradecimento especial a todos os fãs que participaram do nosso desafio e que estão divulgando as músicas nas suas redes pessoais. Fiquem de olho nas nossas redes porque já já estaremos rodando pelo Brasil espalhando essa roqueiragem dançante!’’

As músicas estão disponíveis em todas as plataformas digitais. 

Redes sociais da banda:

Facebook: Alarmes Oficial 

Twitter @AlarmesOficial

Instagram: @AlarmesOficial

Ficha Técnica dos Singles:
Produção Musical: Samyr Aissami
Coprodução musical: Alarmes e Marcel Papa
Produção Executiva: Marcel Papa
Gravação e Mixagem: Daniel Félix
Assistentes de gravação: Marcel Papa e Samyr Aissami
Gerente de estúdio: Rafael Cruz
Masterização: Joe LaPorta (Sterling Áudio – NY)
Artwork: VOJD (Alemanha)
Gravado no Estúdio ZeroNeutro – Brasília – DF

Banda Alarmes desafia Fãs

Por Camila Borges

Você gosta de ser desafiado? E se o desafio proposto for por uma banda que você gosta e a recompensa for algo inédito?

Essa é a ideia da banda Alarmes, banda de Brasília que conta com Arthur Brenner (vocal e guitarra), Lucas Reis (baixo) e Gabriel Pasqua (bateria).

Quem ficou de olho nas redes sociais da banda nos últimos dias pôde acompanhar as gravações e um pouco mais sobre “Só” e “Évora”, novas músicas de trabalho que serão lançadas oficialmente dia 31 deste mês.

Só / Arte por VOJD
Évora / Arte por VOJD

Para os fãs mais ansiosos, a banda lançou um desafio que começou hoje às 10h00 e termina às 10h00 do dia 26/01 (sexta).
Tudo isso faz parte da divulgação dos novos singles, e vocês podem participar do desafio clicando aqui . 

Boa sorte!

 

Entrevista: Aloizio e a Rede

Por Tayane Sampaio

Existem alguns momentos só nossos, em que criamos universos individuais pra fugir de todo o caos ao nosso redor. Nessas horas, encontramos silêncio no barulho, achamos a solidão na multidão. Mas, como fugir quando o olho do furacão está dentro da gente?

No clipe de “o filme q eu não quero ver”, Aloizio perambula por alguns dos lugares mais movimentados de Brasília: Rodoviária do Plano Piloto, Setor Comercial Sul e Eixão. As locações contrastam com a solidão do protagonista, que tenta fugir de si mesmo em meio à multidão, mas, no fim das contas, sozinho, expurga suas dores por meio de uma confissão cantada.

Dirigido e gravado por Thaís Mallon, e com produção de Gustavo Pastorino e do próprio cantor, o clipe é a primeira produção audiovisual do próximo álbum do brasiliense, que agora responde como Aloizio e a Rede.

Após o show de pré-lançamento do clipe, que aconteceu em Brasília, dia 09/11, conversamos com o músico sobre o novo single e essa nova fase de sua carreira. Confira, abaixo, o clipe e a entrevista.

Primeiro, mate a nossa curiosidade. Já tem previsão de quando sai o álbum? Já está finalizado? Já tem um nome?
O nome do disco é Sombra Cega e vai sair, provavelmente, entre março e abril do ano que vem. Já finalizamos as músicas, mas não gravamos ainda. Vamos gravar depois do Réveillon, no Rio de Janeiro.

Você tinha uma banda de apoio, mas sempre assinou como um artista solo. O que é “A Rede” e como ela vai funcionar?
Então, a carreira solo aconteceu meio que sem querer. O Lafusa parou de tocar e eu tinha umas músicas e resolvi que eu queria gravá-las. Comecei gravando sozinho, no meu quarto, todos os instrumentos. Só que eu não estava gostando, estava ficando muito Lafusa ainda. Aí comecei a fazer shows aleatórios, tocando músicas que eu gostava e outras antigas também. Um belo dia o Samyr Aissami perguntou se poderia tocar bateria comigo, ele nunca tinha tocado bateria em nenhuma banda, e eu topei. Depois, eu chamei o Pedro Broggini, que era um amigo de São Paulo, e o Felipe Fernandes, que era um amigo muito antigo do Rio; a gente acabou se juntando e já era uma banda. Pro Esquina do Mundo, compomos tudo juntos, eu sempre fiquei meio incomodado… Até discutimos isso, antes de lançar, e eles acharam que eu tinha que assinar como Aloizio, só que aí várias pessoas começaram chamar de “banda Aloizio”, então eu percebi que era isso. Eu preciso valorizar essas pessoas de alguma forma, daí veio essa ideia de “A Rede”, porque, além dos três estarem comigo sempre, o disco envolveu muita gente. Eu viajei muito, então conheci um monte de gente no caminho e acaba que todo show eu toco com pessoas diferentes, todo show é diferente, e eu acho que isso é o diferencial da parada. Os meninos, Samyr, Felipe e Pedro, são os oficiais, eles que compõem comigo, eles são A Rede oficial. Mas, nos shows, não tem como, vai continuar sendo uma mistura de músicos.

Por que “o filme q eu não quero ver” foi escolhida como o primeiro single? Pra você, o que essa música significa dentro do álbum?
Eu fiquei muito tempo produzindo música eletrônica, quando me mudei pro Rio. Era uma coisa que eu nunca tinha feito, música totalmente sozinho. A Débora [amiga do Aloizio] foi lá pro Rio e ficamos uma noite conversando sobre problemas de relacionamento, e aí eu comecei a pensar sobre autorresponsabilidade, de parar de culpar o outro pelo que acontece com a gente e ser mais consciente. Eu fiquei pensando muito nisso, comecei a entrar num momento super nostálgico. Ela foi dormir, eu apaguei a luz da sala, tava com o estúdio montado lá, e dei o REC. Tudo escuro, eu escrevi as três primeiras frases no computador e, quando terminei, eu fiquei uma meia hora escutando em looping, e chorando pra caraca… de repente, eu não queria mais chorar, eu falei “Nossa, acho que foi!”. Depois, eu mandei a música e pedi opinião pra umas três pessoas, a versão demo mesmo, que eu tô emocionado pra caramba, e todo mundo ficou meio sem saber o que falar. Eu toquei a música pro público, pela primeira vez, no Sofar Sounds de Sorocaba e, quando eu comecei a tocar, a galera começou a sair da sala… Quando terminou, demoraram pra aplaudir, eles tavam muito… sabe quando todo mundo fica com o olhar perdido, porque lembrou de alguma coisa? No fim do show, a galera fez quase uma fila pra comentar da música e eu percebi que ela tinha tido um grande impacto em mim e, ocasionalmente, em outras pessoas. Todo lugar que eu toquei, a música teve essa força. Eu achei que era pertinente falar sobre isso agora, falar sobre autorresponsabilidade.

As imagens do clipe casam perfeitamente com as emoções que a música passam. O resultado final foi o esperado, desde o começo, ou houve muitas mudanças? Como foi o processo de criação do clipe (as ideias foram só suas ou mais alguém interferiu)?
A primeira coisa que eu pensei foi em trabalhar com esse lance de luz e sombra, porque eu tinha visto um vídeo do Moses Sumney, acho que é do NOWNESS, que fizeram um contra luz que dá a sensação de vazio, só a silhueta dele. Quando eu vi aquilo, eu falei “Caraca, é isso!”, porque isso de eu nunca aparecer é justamente pra pessoa sentir que é ela também, que ela se preenche naquele vazio, de alguma forma. E a música é isso, preencher o vazio, nem que seja só a constatação. De cara, foi isso. Eu queria que fosse filmado por uma mulher e não tinha como ser outra pessoa, principalmente porque com a Thaís eu tenho essa facilidade de termos referências parecidas. Quando eu mandei pra ela, Moses Sumney, sombra, pôr do sol de Brasília, ela já veio com o Pinterest lotado de coisa e, apesar da ideia inicial, eu deixei nas mãos dela.

Você é de Brasília, mas está morando em São Paulo, atualmente. No contexto do clipe e da música, São Paulo seria a locação perfeita. Por que você escolheu gravar em Brasília?
Foi pra trabalhar com a Thaís. De primeira, eu pensei em São Paulo, mas acho que, cada vez mais, eu tô nesse processo de identificação e, por mais que eu more em SP, esse aqui é meu bairro, então acho que a experiência aqui é muito mais profunda pra mim. Eu representaria SP de uma forma muito subjetiva. Apesar de morar lá há muito tempo, eu ainda não conheço perfeitamente. Mas, caminhar sozinho no meio da Rodoviária é uma solidão esquisitamente absurda. Brasília tá sempre vazia, de repente você encontra todo mundo e aí você poderia se sentir acolhido, de alguma forma, mas acaba cada um em um universo completamente diferente. Tem uma cena no clipe, que sou eu caminhando naquela parte do comércio da Rodoviária e as pessoas que passam por mim são inacreditáveis. Não sei, ficou um retrato muito forte do Brasil. São 120 quadros por segundo, é muito lento. Passa uma mulher muito preocupada, com uma blusa da Avon, escrito “fale comigo”, e aí passa um cara, que você vê que ele tá muito cansado, com roupa de trabalho, mas ainda são quatro da tarde, ele deve estar correndo pra fazer alguma coisa, enfim… em Brasília, eu saberia onde ir pra me sentir daquela forma.

Esse single destoa das músicas do Esquina do Mundo que, no geral, é um álbum bastante ensolarado. Qual a vibe do próximo álbum? Está mais pra Esquina do Mundo ou pra “o filme q eu não quero ver”?
É diferente. Eu quis fazer esse segundo disco como se fosse o meu primeiro. Vivendo no mundo da música, toda hora você escuta as pessoas falando em suprir as necessidades do mercado e eu preferi que fosse da forma mais sincera possível. O lance do Sombra Cega é exatamente isso de luz e sombra, Yin-yang, então, você vai ter o sol e vai ter as trevas, acho que não tem meio do caminho. A ideia é mostrar os extremos. Essa música que eu cantei pra minha mãe, por exemplo, assim como no “o filme q eu não quero ver”, o foco é no que está sendo falado, que é uma parada que eu passei a gostar quando eu comecei a pesquisar hip hop acapella.

Então você diria que a alma desse próximo disco está nas letras?
Então, Yin-yang, vai ter as duas coisas. O disco novo tem um lado mais canção, que no outro não tinha tanto. A Rede sempre parte do pressuposto que a primeira ideia é sempre a ruim e a segunda, provavelmente, também. A gente costuma seguir depois da terceira, então, teremos canções, mas também vai ter muita experimentação sonora, que é o que torna divertido fazer essa parada.

Eu costumo associar o Esquina do Mundo com o mar. Não sei explicar, mas é uma coisa que penso sempre que escuto esse álbum. Pra você, o novo álbum lembra o quê?
Transe. A gente não compôs percussão pro Esquina do Mundo. Chegamos pra gravar, o Samyr achou umas congas no corredor do estúdio e começou a tocar e ele sabia fazer, mesmo sem nunca ter tocado antes. Resolvemos levar pra dentro do estúdio e ficou incrível, daí decidimos gravar. Levamos isso pro show e virou o diferencial. Isso mexeu muito comigo, até comecei a me policiar, porque eu tava fazendo show de costas pro publico, pra assistir o que tava acontecendo. Eu comecei a viver uns momentos meio espirituais tocando, eu não sabia explicar direito e hoje eu tenho uma leve noção do que acontece. Acho que o segundo disco tem canções que surgiram desse momento em que eu entro em transe. Eu acho que o disco tem essa vibe, que é o que eu tento trazer pro show, de ficar com as pessoas em outro lugar, só que ao mesmo tempo. Acho que é isso. Todo mundo entrar em transe, mas pra um lugar melhor.

Suas influências do primeiro pro segundo álbum mudaram muito? Fala aí um(a) artista que você descobriu nesse meio tempo e que acabou influenciando nessa nova fase.
Muito. Acho que, principalmente, a Fiona Apple e o disco The Idler Wheel…. Quando eu cheguei pra gravar as vozes do Esquina do Mundo, em Los Angeles, eu entrei no carro do meu amigo, pra ir pro estúdio, e ele colocou esse disco, dizendo que era a melhor referência pra gravar vozes. Acho que ela e a Elis Regina foram minhas grandes influências, porque as duas são “o filme q eu não quero ver”, isso de cantar com tudo o que você tem, não se importar com nada, deixar doer o tanto que dá pra doer. É uma música, ela acaba, pode ir lá que você volta. A Elis sempre foi uma influência muito grande e eu não reconhecia. Todo mundo falou muito de Cazuza, no Esquina do Mundo. Eu achei engraçado, mas, se você olhar, tem algumas coisas, o blues abrasileirado. Metá Metá foi foda de conhecer, também. Eu tive uma conversa rápida, uma vez, com o Kiko Dinucci e com o Guilherme Kastrup, e eles me contaram sobre o processo deles fazendo o disco da Elza Soares, que é a mesma ideia que eu tenho com os meninos, de desconstruir. Todo mundo é roqueiro, mas a gente não escuta mais rock, como balanceia isso? Eles são assim também, só que estão muito à frente, arriscando, sabe? Eles são bem mais velhos que a gente e estão se arriscando muito mais. Vai ter umas loucuras no disco, talvez a maioria das pessoas não gostem, mas a gente gosta.

Aproveitando o momento indicação, qual foi sua última descoberta da música brasileira?
Tem duas coisas que me impressionaram de primeira, quando eu escutei. A primeira, o Bolhazul, aqui de Brasília, eu descobri sem querer, no YouTube. A outra é uma banda do Rio, que até lançou um disco essa semana, a Astro Venga. Eles são um trio, como se fosse, sei lá, o The Jimi Hendrix Experience, só que eles tocam música brasileira.

Você está com um projeto de música eletrônica, assinando como LØWZ. Como surgiu a vontade de fazer esse tipo de musica? O próximo álbum vai ter alguma influência disso?
Eu fui pros Estados Unidos gravar o primeiro disco meio que sozinho, na louca. Juntei uma grana e resolvi fazer isso. Um amigo trabalhava em um estúdio, em LA, e disse que eu poderia gravar de graça com ele. Eu comecei a ir pro estúdio e tava lá o Diplo, o Chris Brown, e eu comecei a ver, de longe, como essa galera trabalhava e meu amigo começou a me explicar tudo. É um processo muito certinho, tem os beatmakers, os producers, os songwriters… eles produzem umas vinte músicas por dia, se dividem em grupos. Eu percebi uma maneira de compor que eu nunca tinha feito, que é sentar, listar o que a música tem que ter e fazer. Eu percebi que várias pessoas estavam produzindo sozinhas e decidi fazer isso, quando eu voltasse pro Brasil. Isso me possibilitou trabalhar com outras pessoas e virar produtor mesmo, eu tô trabalhando com um monte de gente, que vai na minha casa gravar, de pop, a beat, dub, hip hop… Isso me abriu um leque de opções e a ideia é experimentar. Acho que, no Sombra Cega, ainda não vai estar tão explícito.

Isso começou mais como um exercício de criatividade do que uma parada de inspiração, então?
Sim. Eu já tenho uns dois discos prontos, como LØWZ, mas eu ainda não consigo organizar, porque as ideias têm um lado bem pop mesmo e outro bem dark, tipo música eletrônica experimental.

O bloco de carnaval que você faz parte, o Divinas Tetas, foi sucesso total e continua tirando a galera de casa, mesmo depois do carnaval. Quais são os próximos passos desse projeto?
O Divinas Tetas é uma coisa totalmente sem controle, a gente tá começando a entender agora o que aconteceu. A coisa tomou uma proporção muito maluca, a gente tocou no CoMA, o festival dos melhores da música autoral… A gente tem pretensão de transformar em várias coisas, mas queremos amadurecer mais. Queremos transformar em um espetáculo, com mais performance, tentando contar, de alguma forma, a história daquele momento do Brasil, que estamos vivendo de novo, por acaso. Também vamos lançar um EP autoral, eu já fiz a primeira música. Não sabemos se vai dar tempo de gravar pro carnaval. Estamos vendo como vai funcionar compor em treze pessoas. O bloco quer sair viajando pelo Brasil, se divertindo, fazendo carnaval.

Você toca em São Paulo, dia 26, com Baleia e Scalene. É muito doido, porque o público-alvo das bandas é bem diferente e muito parecido, ao mesmo tempo. O que a galera pode esperar do Aloizio e a Rede nesse dia, principalmente quem ainda não conhece o seu trabalho? você preparou um show específico pra esse dia?
Acho que Baleia e A Rede têm uma conexão, um caminho musical parecido. Scalene, na verdade, só veio de outro canto, que é muito mais rock, mas acabaram de lançar um disco muito mais puxado pra música brasileira. Acho que isso vem, obviamente, dos meninos terem passado a escutar mais música brasileira. Esse show, na verdade, representa exatamente esse momento, em que a gente pode ser diferente e tocar junto e ao mesmo tempo estamos cada vez mais criando uma identidade do que é produzido aqui. O Scalene estar soando mais brasileiro já mostra que a banda se arrisca e isso abre portas pro pensamento de outras bandas também, pois eles estão próximos de muita gente do cenário independente. Eu fiquei muito feliz quando soube que esse show ia acontecer. Apesar de ser de Brasília, estou vivendo muito forte a cena de SP; Scalene vive a cena do Brasil inteiro; e Baleia é o maior representante do RJ. É muito massa esse encontro. Rola uma preocupação, mas as outras vezes que toquei com Scalene foram bem diferentes, tanto de fazer um show mais pesado e perceber que a galera esperava algo mais leve, como ter feito um show mais instrospectivo, achar que não tinham gostado, e depois saber que a galera tinha curtido muito. Mas tenho a sensação de estar nivelado, o “Sombra Cega” tem coisas muito pesadas e a gente vai tocar, mas também vai rolar “o filme q eu não quero ver”, pra galera dar uma chorada.

Escute Aloizio e a Rede:

Exclusivo: Documentário mostra a trajetória da banda mineira Young Lights

Por Tayane Sampaio

Fazer parte de uma banda não deve ser uma tarefa fácil. Ter banda é dividir um sonho, a estrada, o tempo e até os pensamentos mais íntimos. É se permitir estar vulnerável perto daquelas pessoas e deixar que elas encaixem as peças que estão faltando no seu quebra-cabeça.

A Young Lights, um dos destaques da cena mineira, decidiu compartilhar com o mundo como tem sido a aventura de dividir o palco e a vida entre companheiros de banda. Em “Chasing Ghosts“, um documentário de quase vinte minutos, produzido pelo escocês Stuart McIntyre e lançado com exclusividade no Canal RIFF, o grupo mostra o dia a dia de uma banda independente brasileira.

O documentário, que conta com depoimentos dos integrantes e de amigos da banda, mostra vários momentos do grupo: os perrengues na estrada e a catarse nos palcos, divulgando os dois primeiros trabalhos, o EP “An Early Winter” (2013) e o álbum “Cities” (2014), pelo triângulo mineiro, interior e capital de São Paulo; e em estúdio, com Leonardo Marques (Diesel, Transmissor, carreira solo), gravando o próximo álbum da banda, homônimo, que será lançado ainda este mês, pelo selo musical “quente”.

Young Lights” será o primeiro trabalho do grupo feito totalmente em equipe, já que os álbuns anteriores são frutos da época em que a Young Lights era um projeto solo do vocalista Jairo Horsth. Jairo (voz e violão), João Pesce (baixo), Gentil Nascimento (bateria) e Vitor Ávila (guitarra) contam, no filme, a trajetória da banda até aqui.

Veja, abaixo, o documentário na íntegra:

Foto: Antonio Andrade

Lançamentos: 20 Álbuns de outubro pra você ouvir agora

Por Felipe Sousa | @Felipdsousa | Foto Fleeting Circus

Outubro chegou e já passou, mas junto com ele, e a primavera, vieram também alguns bons discos, nacionais e internacionais. Então, montamos nossa tradicional lista pra você ficar por dentro de tudo que rolou no mês.

Sua banda preferida tá por aqui? Compartilha e marca os amigos pra ouvir. E segue o perfil oficial do RIFF lá no Spotify.

Aumente o som e confira:

Mister Heavenly – Boxing the Moonlight

“Boxing the Moonlight” é o segundo disco de estúdio do supergrupo de indie rock  Mister Heavenly. Formado por Honus Honus do Man Man , Nicholas Thorburn de Islands e The Unicorns , e Joe Plummer de Modest Mouse e The Shins, o trio apresenta nesse disco uma paleta de sons mais diversas, com apanhados de pop, synth pop, um ambiente uniforme e limpo. Eu como fã de indie, gostei!

 

Melanie De Biasio – Lilles

Da Bélgica vem Melani De Biasio com o álbum “Lilles”. E esse é pra quem procura um som mais suave. Esse Jazz é quase uma balada de piano, daquelas que absorvem o estresse do dia a dia e te fazem viajar. Algum rifferio curte? Conta aí.

 

Marilyn Manson – Heaven Upside Down

Saiu o décimo disco de estúdio do anticristo Marilyn Manson. Dois anos após “The Pale Emperor”, o cantor divulgou “Heaven Upside Down”, com dez faixas. Ouça esse discão:

 

Wolf Parade – Cry Cry Cry

Sete anos separam o terceiro álbum de inéditas do Wolf Parade, Expo 86 (2010), do recém-lançado “Cry Cry Cry”. Nesse intervalo, o grupo canadense ficou em hiato, e seus integrantes, Spencer Krug (vocais e teclado), Dan Boeckner (baixo), Arlen Thompson (bateria) e Dante DeCaro (guitarra), trabalharam projetos paralelos. “Cry Cry Cry” traz onze faixas de um disco bem produzido.

 

Citizen – As You Please

No seu terceiro álbum, “As You Please”, o Citizen está mais introspectivo do que seus rabalhos anteriores. O disco, com doze faixas, tem a assinatura do produtor Will Yip, e mantém a presença da melancolia catártica de “Youth” (2013) e da intensidade de “Everybody Is Going To Heaven” (2015), tudo aliado a uma onda de experimentação sonora.

 

Liam Galagher – As You Were

Primeiro disco da carreira solo de Liam, “As You Were” é um presente lindo de quase final de ano. Com cordas muito bem executas, ora psicodélicas, a voz de Liam tratadas de forma incrível, dando toda potência podendo cantar no seu  máximo, e pegadas de folk que fazem esse disco ser um ótimo disco.

 

 

Pink – Beautiful Trauma

Depois de em agosto receber o prêmio “Michel Jackson de Vanguarda”, no VMA, e fazer um discurso emocionante antibullying, Pink está de volta com “Beautiful Trauma”. O disco tem treze faixas e conta com a participação do rapper Eminem.

 

Beck – Colors

“Colors” é o décimo terceiro álbum do americano Beck, lançado pela Capitol Records. O álbum foi gravado entre 2013 e 2017, com a produção de Greg Kurstin. O primeiro single, “Dreams”, foi lançado em junho de 2015, enquanto os demais foram lançados em junho de 2016 e setembro de 2017.

 

Nial Horan – Flicker

“Flicker” é o álbum de estúdio de estreia do 1D Niall Horan. O seu lançamento ocorreu em 20 de outubro de 2017, através da Neon Haze e Capitol Records. Em entrevista aos jornais britânicos Daily Star e Entertainment Weekly, Nial disse que desde 2016 trabalha no disco e que ele tem inspirações em grandes bandas como Fleetwod Mac e Eagles. Já ouviu? O que achou?

 

The Used – The Canyon

Formada em 2001 nos Estados Unidos, a banda The Used lançou o seu sétimo disco da carreira, intitulado “The Canyon” – “é a obra de arte mais pura, sem adulteração e pessoal que a banda já lançou”.

 

Weezer – Pacific Deydream

Esse é o décimo primeiro disco dos norte-americanos do Weezer que explora novos sons mas mantém as características de um Weezer colidindo suas composições entre a felicidade e a tristeza, como o próprio “Karl’s Corner falou em uma publicação no facebook oficial da banda.

 

Fresno – A Sinfonia de Tudo que Há (Deluxe)

A banda Fresno liberou uma versão deluxe do seu mais recente álbum, “A Sinfonia de Tudo que Há” (2016), com 6 músicas novas, incluindo a inédita “Onde Fica a Estrela”, “Poeira Estelar” acústica, as demos de “Canção Desastrada” e “Sexto Andar”, mais a gravação do ensaio de “Hoje Sou Trovão” e o áudio do Whatsapp da faixa-título do disco

 

Detonautas Roque Clube – VI

O  Detonautas Roque Clube é mais uma banda que está com trabalho novo. O álbum “VI” foi lançado no dia 27 de outubro e como o nome sugere, é o sexto trabalho do grupo sucedendo “A Saga Continua” (de 2014). São nove faixas inéditas e uma releitura, “ Na sombra de uma arvore”, canção lançada em 1975 pelo cantor Hyldon.

 

Garotas Suecas – Futuro do Pretérito

Quatro anos após “Féras Míticas” (2013) a banda paulistana Garotas Suecas está de volta com o seu terceiro disco de estúdio, intitulado “Futuro do Pretérito”. Com dez faixas, essa obra trata em suas composições críticas sociais e políticas. Ouça:

 

Fleeting Circus – Restless Noise

Segundo disco da banda, o nome simboliza continuidade, persistência e, após anos de estrada, a permanência no caminho construído pelos trabalhos anteriores se tornou ainda mais necessária. Com 10 faixas, o álbum conta com os singles lançados anteriormente, “The Altruist”, “War Call” e “Disconnection”, que já estão disponibilizadas nos serviços de streaming.

 

Soja – Poetry in Motion

Soldiers of Jah Army, ou apena Soja, é uma das bandas de reggae mais influentes atualmente, e para a alegrias dos fãs o sétimo disco dos caras já saiu. “Poetry in Motion” é mais um grande trabalho do Soja. Em entrevista à Rolling Stones Brasil eles falaram “Estamos nos lembrando do porquê começamos essa banda e da mágica que criamos. Fomos sortudos por termos conseguido construir nossa própria família e ter pego cada irmão pela mão. Esse disco se parece com uma ótima reunião em família. É um plano para o nosso futuro.”

Vale lembrar que eles desembarcam no Brasil para cinco shows nos dias 01, 03, 04 2 05 de novembro, em São Paulo, Rio de Janeiro, Balneário Camboriú, Curitiba e Porto Alegre, respectivamente.

 

Braba Ruiva – Barba Ruiva

O power trio revela melodias e arranjos cheios de texturas e mostra inspirações que vão do jazz ao psicodélico, do indie ao samba, do rock n’roll ao blues. O álbum é o primeiro da carreira e traz nas nove faixas, letras questionadoras e críticas, explorando a inquietude dos tempos atuais.

 

Bullet Bane – Continental

Primeiro disco totalmente em português da banda paulista, “Continental” foi produzido, mixado e masterizado no Estúdio TOTH por Danilo de Souza e Fernando Uehara. Entre as dez faixas do disco estão os singles “Gangorra” e “Folêgo”. Ouça:

 

Castello Branco – Sintoma

Em seu segundo disco de estúdio, o artista carioca consolida-se como um dos nomes importantes do cenário independente brasileiro. Filipe Catto, Mãeana e Verônica Bonfim são convidados no projeto que vale a pena ouvir.

 

Ty Dolla $ing –  Beach House 3

“Beach House 3“, é segundo álbum de estúdio de Ty Dolla $ign, que é continuação direta das duas mixtapes que levam o mesmo nome do disco, lançadas em 2012 e 2013. O disco conta com participações de Future, Lil Wayne, Wiz Khalifa, Pharrell Williams e mais.

Conheça saudade, novo projeto de Saulo von Seehausen

Por Natalia Salvador

Para quem se acostumou com a força dos vocais de Saulo von Seehausen em Never Trust The Weather, primeiro CD da banda petropolinata Hover, pode sofrer um leve choque inicial ao ouvir as primeiras músicas de seu mais recente projeto: saudade.  Mas não se engane, o choque é, além de natural, completamente positivo.

Em uma pegada muito mais pessoal e intimista, as músicas trazem letras em português e melodias mais calmas e leves. O motivo disso? Desconstruir conceitos e, por que não, se reinventar na hora de compor.

“Sempre tive um sentimento de incômodo por não conseguir achar a minha voz em português. Não que não pudesse fazer isso com a banda, mas fazia mais sentido pra mim que esse processo partisse de um ponto totalmente diferente do que eu já estava envolvido. Queria primeiro encontrar esse lugar dentro de mim, achar essa voz ‘sozinho’. Entre aspas porque conto com a ajuda e o trabalho de vários amigos ainda, mas precisava que fosse uma busca mais interna do que tudo.”, contou Saulo em entrevista.

Botões, o primeiro single, foi gravado e produzido por Patrick Laplan, no Estúdio Fazendinha, mixado e masterizado por Ricardo Ponte, e a arte ficou por conta de Vinícius Tibuna. Para desenvolver todo esse processo, Saulo buscou aulas de técnica vocal, além de se inspirar em diferentes referências, como Os Mutantes, Kimbra e Daniel Johns.

Além de Botões, no perfil do Spotify você ainda pode conferir Jantaradois. Tá esperando o que pra conhecer e acompanhar saudade?